สูตรดั้งเดิม

ซิมโฟนีแห่งสีสัน

ซิมโฟนีแห่งสีสัน

แยกไข่ (ไข่ขาวออกจากไข่แดง). แบ่งปริมาณน้ำตาล ใส่ไข่ขาว 5 ช้อนโต๊ะที่ตีไว้ ตีไข่แดงกับน้ำตาลอีก 5 ช้อนโต๊ะที่เหลือ ผงฟู และน้ำแร่ 5 ช้อนโต๊ะ ลงในส่วนผสมนี้ ค่อยๆ เติมโฟมไข่ขาว 1 ช้อนโต๊ะ + แป้ง 1 ช้อนโต๊ะ ลงไปจนทั่ว ได้รวมเอาส่วนผสมทั้งหมดแล้ว

ฉันแบ่งส่วนผสมนี้ออกเป็นสองส่วน เหลือสีเหลืองหนึ่งส่วนและเพิ่มเปลือกขูดของมะนาว 1 ลูก อีกส่วนฉันผสมกับผงพุดดิ้ง + น้ำแร่ 5 ช้อนโต๊ะ + มะพร้าว

ฉันวางด้านบนลงในถาดที่ทาด้วยแป้งที่ปูด้วยแป้ง สลับสี ดูรูปที่แนบมา

เตาอบที่อุ่นไว้ดูแลถาดของฉันประมาณ 20 นาที เพื่อให้เค้กมีสีน้ำตาลสวยที่ 180 องศา

หลังจากเย็นตัวลงแล้ว ฉันก็ตกแต่งตามจินตนาการด้วยการเคลือบสีขาวและสีชมพู

ความอยากอาหารที่ดี!




รัสเซียเผาชาวโรมาเนียอย่างไร?

ฉันกำลังคุยกับ Bessarabian Dumitru Muruzuc ช่างแกะสลักตลอดชีวิต และจากพ่อสู่ลูกด้วยฝีมือและหัวใจ การพูดคุยกับ Bessarabian เป็นเรื่องที่น่าพอใจและยาก คนที่อบอุ่นกว่าที่พวกเขาไม่เคยเห็น แต่บ่อยครั้งเบื้องหลังทุกเรื่องราวคือโศกนาฏกรรม ฉันได้เรียนรู้มากมายจากเรื่องราวของพวกเขา แต่ยังไม่เพียงพอ Dumitru & icircmi นำ & icircn มาที่ด้านหน้าแท็บใหม่ สิ่งที่งานฝีมือนอกเหนือจากปี Prut & icircn โซเวียตต้องผ่าน

เตาไดนาไมต์

จะต้องไม่เหลืออะไรในบ้านและใต้เพิง เมื่อพวกเขาเข้าไปในเบสซาราเบีย ชาวรัสเซียก็ตั้งเป้าไปที่เตาอบที่หม้อและกระทะกำลังไหม้อยู่ การยึดครองดินที่มีมูลค่าสูงเป็นช่วงเวลาของจักรวรรดิโรมันอันยิ่งใหญ่ และรัสเซียทำอะไร? พวกเขาระเบิดเตาอบ อย่างนั้นหรือ? & bdquoใช่ พวกเขาใส่ไดนาไมต์ & icircn พวกเขา และทุบมัน & rdquo

เผาชุดพื้นเมือง

จากนั้นพวกเขาก็นำเครื่องแต่งกายพื้นบ้านจากบ้านของผู้คนซึ่งพวกเขาเข้าไปในบ้านด้วยปืนยาวแล้วจุดไฟเผา ต่อมาชาวบ้านเองก็มาเผาอัญมณีของตัวเองในประเทศ หลายคนได้รับมรดกมาจากปู่ย่าตายายและทวดของพวกเขา พวกเขาละลายกล่องสินสอดทองหมั้น ถ้าเจอของแบบนี้ก็เสี่ยงถูกส่งตัวไปไซบีเรีย. “ตอนนั้นมันเป็นอย่างนั้น!” ดูมีตรู ชายวัย 55 ปีกล่าว เขารู้ข้อเท็จจริงบางอย่างเป็นการส่วนตัว เขาได้ยินคนอื่นจากพ่อแม่ของเขา

ตัวเลขที่น่าเศร้า

ดึงอากาศและหน้าอก ฉันรู้สึกเหมือนหายใจไม่ออก ฉันเขียนทุกอย่างที่คู่สนทนาบอกฉันและฉันก็เหนื่อย ความชั่วร้ายได้ระบายฉัน ความชั่วร้ายที่เบสซาราเบียยังคงดึงเชือก ในระหว่างราชอาณาจักร & icircn ส่วนนี้ของประเทศมี 120 งานฝีมือ. วันนี้มี 20 คน ส่วนที่เหลือถูกเช็ดออกจากพื้นโลก & Icircn เวลาของ & bdquohomo sovieticus & rdquo

ฮีโร่ที่ลืมไม่ลง

ฉันได้ยินอีกเรื่องหนึ่งตั้งแต่ปีพ.ศ. 2505 ช่างฝีมือ เป็นช่างไม้ประเภทเดียวกัน ชื่อของเขาคือ Gheorghe Muruziuc จากหมู่บ้าน Fălești เขาทนต่อคำโกหกและความโชคร้ายไม่ได้อีกต่อไป เขาหยิบธงโรมันขึ้นมาโดยไม่รู้ว่ามาจากไหนและอย่างไร บางทีเขาซ่อนมันไว้ที่ไหนสักแห่ง แล้วเขาก็ปีนขึ้นไปบนปล่องไฟของโรงงานน้ำตาลจากอเล็กซานเดรนี

เขานั่งอยู่ที่นั่นหลายชั่วโมง เขาได้ชักธงขึ้นบนยอดหอคอย ให้ทุกคนเห็นในแดนไกลซึ่งแผ่นดินเป็นแผ่นดิน เขาได้นำกวีที่ใช้แกะสลักไม้ไปด้วย ปกป้องไตรรงค์ด้วยเครื่องมือทำงานของเขา งานฝีมือนี้กล่าวถึงงานที่ฉันคุยด้วยในวันนี้ ไม่ใช่แค่งานง่ายๆ ที่คุณรู้ว่าคุณกำลังทำอะไรอยู่อีกต่อไป มันเป็นรูปแบบของการต่อต้าน

มีเสียงดังมาก ผู้คนออกไปที่ถนนเพื่อดูว่าเกิดอะไรขึ้น ในที่สุดช่างไม้ก็ถูกจับ Gheorghe ทรุดตัวลงเมื่อห้าปีที่แล้ว ในหมู่บ้านของเขา Fălești ลมหายใจทั้งหมดของเขานำเขาไปสู่หลุมศพ โลงศพถูกแต่งด้วยไตรรงค์โรมัน พวกเขาเป็นฮีโร่ตัวจริงบนถนนสายสุดท้าย เขา, ช่างไม้, ช่างแกะสลัก, Gheorghe Muruziuc

& bdquoเราอยู่ด้วยกันเสมอ & rdquo

ดูมีตรูนั่งก้มลงมองรูปแกะสลัก ฉันรู้สึกว่าฉันเข้าหาเขา ทำให้ฉันนึกถึงความทรงจำในตัวเขา นิ้วที่ใหญ่หยาบ นิ้วหนาของเขา คลุมสิ่งของชิ้นเล็กจนหมดซึ่งค่อยๆ ก่อตัวขึ้นอย่างช้าๆ และช้าๆ & bdquoประเทศเราผ่านอะไรมามากมาย เราล้มลงและคุกเข่าลง เรารวบรวม & rdquo เสมอ คำออกมาราวกับว่าออกจากสีน้ำเงิน

สุดท้าย 600

ช่างฝีมือยอดนิยมแห่งเบสซาราเบียรวมตัวกันในสหภาพของพวกเขา ทันทีหลังจากที่สาธารณรัฐมอลโดวาประกาศเอกราช น้ำลดแล้ว น้ำก็ไม่แห้ง คนนับกันเห็นว่ามีทั้งหมด 600 คน

ตั้งแต่นั้นมาพวกเขาก็มีขนาดเล็กลง สหภาพถูกสร้างขึ้นส่วนใหญ่ในย่านเมืองเก่า คนหนุ่มสาวไม่สนใจงานฝีมืออีกต่อไป คนรุ่นใหม่ได้เดินทางไปทางตะวันตกเพื่อชีวิตที่ดีขึ้นหากพวกเขาเห็นว่าในสาธารณรัฐใหม่ชีวิตแย่ลง และไม่มีทางเป็นไปได้

ชิงช้าแกะสลัก

ช่างแกะสลักในเรื่องหยุดอีกครั้ง ฉันหายใจอีกครั้ง และฉันเฝ้าถามตัวเองอยู่เสมอ เวโรนิกาภรรยาของเขาก็เป็นช่างฝีมือพื้นบ้านเช่นกัน เขารู้วิธีทอผ้า เป็นครูด้วย. พ่อของดูมิตรุเป็นช่างแกะสลักไม้ คุณปู่ก็เช่นกัน เขามีพี่ชาย เขามีความปรารถนาอย่างเดียวกัน & bdquoฉันเติบโตขึ้นมาท่ามกลางเครื่องมือที่ให้เสียงแก่ไม้ แม่ของฉันเขย่าฉันบนต้นไม้ที่ปู่ของฉันแกะสลัก

ความทุกข์ใหม่หลังปี 1990

หมู่บ้านที่เขาเกิดซึ่งเขายังคงอาศัยอยู่มาจนถึงทุกวันนี้เรียกว่าเรอูเอล & Icircn ใกล้เมือง Balti เขาจำได้ว่าในปี 1990 ระหว่างยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาแห่งชาติของเบสซาราเบีย เขาสวมชุดพื้นเมืองและเข้าไปในเมือง เขากำลังจะถูกรุสโซโฟนทุบตี เขาเกี่ยวข้องกับการปรากฏตัวของกลุ่มช่างฝีมือในBălți

ความจริงบอก & icircn โรงเรียน

เขาไปโรงเรียนในหมู่บ้าน พูดคุยกับเด็กๆ เกี่ยวกับประเพณีและงานฝีมือ เขาเคยไปโรงเรียนอื่นและโรงเรียนมัธยมหลายแห่งในสาธารณรัฐมาหลายปีแล้ว เขาเปิดประตูให้เด็กๆ ที่พวกเขาไม่เคยเห็นมาก่อน พรรณนาถึงเครื่องแต่งกายพื้นบ้าน ชิมิรา หมวกชาวนา ความเห็นอกเห็นใจ บันฑิธะ

& bdquo & Icircn เป็นเวลา 25 ปีที่ฉันได้ส่งเสริมงานศิลปะยอดนิยมในสาขาเยาวชน ฉันได้ศึกษาเด็กมาหลายชั่วอายุคน ฉันอธิบายสมบัติของเราให้พวกเขาฟัง ส่วนหนึ่งของวัฒนธรรม Roma & acircnești & rdquo

ฉันสังเกตเห็นไอยูเร่ของวิญญาณจากหน้าอกของเบสซาราเบียน & Icircn โดยเฉพาะอย่างยิ่ง c & acircnd พูดถึง Rom & acircnia "ในช่วงเวลาของโซเวียต เราถูกสอนว่าชาวโรมันเป็นศัตรูของเรา" เขาถอนหายใจ

ซิมโฟนีแห่งราตรี

ความทรงจำอื่น ๆ โผล่ออกมาจากวัยเด็กของเขา เขาปีนขึ้นไปบนเนินเขาในเวลากลางคืนซึ่งปกป้องหมู่บ้านได้ยินเสียงซิมโฟนีในทะเลแห่งสันติภาพ พวกเขาเป็นช่างไม้ แต่ละคนตีด้วยกวีของเขาในสไตล์ของตัวเอง เขาซึ่งเป็นเด็กในสมัยนั้นสอนให้รู้จักสไตล์ ความกลมกลืน จังหวะ มีช่างฝีมือ 30 คน จากเสียงของกวี & icircşi เขารู้ว่าเขาเป็นใคร คนทำงานหลังมืด C & อ้อมเจ้าหน้าที่น่าจะหลับแล้ว เฉพาะในคืนแห่งช่างไม้เท่านั้นที่พวกเขาสวมเสื้อผ้าที่แท้จริงของพวกเขาจากการค้าขายที่พวกเขาไม่ต้องการยอมแพ้เพื่อกำจัดความเชื่อในวันนั้น พวกเขาจะนอนหลับได้อีกสองสามชั่วโมง และตอนตีห้าพวกเขาจะตื่นไปทำงานในคอลคอซ

วันนี้มีการพูดคุยเกี่ยวกับช่างไม้มากกว่าในอดีต เช่นเดียวกับศิลปะการทอผ้า มีเพียงไม่กี่หมู่บ้านในสาธารณรัฐมอลโดวาเท่านั้นที่ทราบความลับ พวกโรแทเรียนก็หายตัวไปเช่นกัน และช่างฝีมือที่ทำเครื่องบังเหียนสำหรับม้า

พรมข้าวโพด

เมืองและหมู่บ้านหลายแห่งในสาธารณรัฐจัดงานแสดงสินค้าหัตถกรรม & bdquoและฉันไปทุกที่ด้วยผลงานของฉัน & rdquo นั่นคือสิ่งที่เขาอาศัยอยู่

เขาคุกเข่าลงอีกครั้ง เขารู้จากพ่อแม่ของเขาว่าในช่วงการกันดารอาหารในเบสซาราเบียหลังสงคราม พรมของชาวนาซึ่งมีสีสันสดใสงดงาม ได้กลายเป็นสกุลเงินชนิดหนึ่งสำหรับคนที่ให้พวกมันเพื่อแลกกับข้าวโพดและข้าวสาลี

ป่าประติมากรรม

มันกลับไปสู่ยุคปัจจุบัน เมื่อหกปีที่แล้ว เขาได้วางรากฐานของการจองผลงานศิลปะจากไม้ กลางป่า Ungheni ปรากฏป่าแห่งประติมากรรม & bdquoPlaiul Fagului & rdquo นั่นคือสิ่งที่เรียกว่าพื้นที่ ใครก็ตามที่มาถึงที่นี่จะถูกห้อมล้อมด้วยตัวละครที่เป็นมนุษย์ซึ่งรวบรวมเรื่องราวอมตะ White Harap, นก, การรบแบบกองโจร และอื่น ๆ อีกมากมาย. ช่างแกะสลักหลายคนได้รับการฝึกอบรมจากบริษัทที่ฉันรู้สึกเป็นเกียรติที่ได้อยู่ด้วยตอนนี้

อาชีวศึกษา

ในหมู่บ้านของเขา ด้วยความช่วยเหลือของศาลากลาง เขาได้เปิดศูนย์หัตถกรรมดั้งเดิมในปีนี้ อันที่จริงเป็นโรงเรียนที่คนรุ่นใหม่จะถูกสร้างขึ้นในรูปแบบต่างๆของการแสดงออกของประเพณี

& bdquoเราต้องการความช่วยเหลือเพิ่มเติม & Icircn โดยเฉพาะอุปกรณ์สำหรับไม้และเซรามิก & rdquo เป็นสัญญาณที่ผู้ชาย & icircl ดึง ฉันดำเนินการในข้อความนี้ บางทีใครจะรู้ & icircn Rom & acircnia ก็จะได้ยินดังนั้นการสนับสนุนที่เป็นไปได้จะมา Dumitru Muruzuc ได้รับการชื่นชมในมาตุภูมิแล้วโดยเป็นสมาชิกของ Academy of Arts and Traditions ในเมืองซีบิว ท่าทางของเขายังคงดังก้อง พวกเขาไม่ได้หยุดอยู่ครู่หนึ่ง นานกว่าหนึ่งชั่วโมง ขณะที่ฉันทำตามชะตากรรมของเขา & bdquoและพวกเขาไม่มีแม้แต่ g & acircnd ที่จะหยุด & rdquo มันเหมือนกับสัญญากับตัวเอง จ่าหน้าถึงอนาคต


เวทมนตร์.พิธีกรรม.คาถา.

  • บทความเวทย์มนตร์ (21)
  • ห้องอาบน้ำและยา (11)
  • พร (4)
  • ห้องครัวของคาถา (6)
  • ลูกเต๋าในเมล็ดพืช (4)
  • ตา (3)
  • ดูดวง (12)
  • แบบฝึกหัดมายากล (8)
  • กริมัวร์ (5)
  • เครื่องมือวิเศษ (2)
  • คำถาม/คำตอบ (3)
  • ตำนาน (4)
  • เวทมนตร์คาถา (13)
  • เวทมนตร์แห่งความฝัน (8)
  • ยาวิเศษ (2)
  • สูตรธรรมชาติ (5)
  • การนอนหลับและความฝัน (6)
  • การบำบัด (7)
  • คาถา (40)
  • คาถาด้วยเทียน (10)
  • นิกาย (6)

ดนตรีบำบัด

ดนตรีบำบัดคืออะไร

เมื่อเวลาผ่านไป ผลดีของดนตรีพร้อมเสียงที่ไพเราะและมากกว่าที่เคยมีมาในผู้ที่มีพรสวรรค์บางคน ประสบการณ์ที่น่าอัศจรรย์คล้ายกับในโลกเทพนิยาย มนุษย์ต่างดาว อาถรรพณ์ที่แสดงออกในภาษาปัจจุบัน
ตามตำนานเล่าขานถึงเทพเจ้าแพน ซึ่งเมื่อเขาร้องเพลงกับแพนไปป์ ร่ายมนต์สัตว์ แพะก็เต้นรำ
ออร์ฟัสเลี้ยงสัตว์ป่าด้วยปอนด์ และคัมภีร์ไบเบิลบอกว่าดาวิดนำพิณและร้องเพลงให้ซาอูลอย่างไร และมันง่ายกว่าและดีกว่าสำหรับเขา และวิญญาณชั่วก็จากเขาไป
นักเรียนชาวพีทาโกรัส (พีทาโกรัส) ได้ฝึกฝนดนตรี เพลง จังหวะและการเต้นรำที่ได้รับการคัดเลือกสำหรับงานปาร์ตี้หรือสำหรับพิธีทางศาสนาในที่สาธารณะโดยทราบถึงผลกระทบ
วันนี้เราเห็นโดยตรงหรือในภาพยนตร์ว่าสัตว์บางชนิดร้องเพลงอย่างไร พวกมันส่งเสียงไพเราะผ่านการฝึกฝน หลายคนมีพฤติกรรมของคนรักดนตรี พวกเขารวมตัวกันรอบ ๆ วิทยุ แสดงความรู้สึกขอบคุณเมื่อฟัง
การกระทำของคลื่นเสียงเป็นที่รู้จักกันทั้งในพืชที่งอกและเติบโตได้ดีขึ้น เช่นเดียวกับผลผลิตน้ำนมในวัวที่พวกเขาร้องเพลงในคอกม้า
นี่คือวิธีการค้นพบคุณธรรมหลายประการของดนตรี - ไม่เพียงแต่มีบทบาท หน้าที่ด้านสุนทรียศาสตร์ทางวัฒนธรรม ตามที่บางคนเชื่อตั้งแต่แรกเห็น แต่ยังรวมถึงหน้าที่ทางปรัชญา เวทมนตร์ และการบำบัดด้วย
เราพูดถึงว่าคาถา (มนต์ขาว) ที่ฝึกฝนในสมัยโบราณ แต่วันนี้ก็กระซิบโดยเน้นคำหลักบางคำผ่านคาถาซึ่งปล่อยความถี่บางอย่างที่สะท้อนกับผู้ป่วย
ดนตรีสูญเสียพลังที่แทรกซึมเข้าไปในจิตใจของมนุษย์ทำให้เกิดการเปลี่ยนแปลงที่แท้จริงหรือไม่?
ไม่! มีแต่ความไม่รู้ของผู้คนที่เพิ่มขึ้น แต่หากไม่รู้ พวกเขาสามารถตกเป็นเหยื่อของนักเลงที่ใช้เสียงทำลายล้างในสัมผัสบางอย่าง ซึ่งมักจะดังมาก ซึ่งใกล้เคียงกับความถี่ของเสียง ไม่เป็นที่พอใจต่อหู
ไม่ต้องพูดถึงข้อความเมื่อเพลงมาพร้อมกับคำพูด!
เพลงถูกทำให้เสียชื่อเสียง ในการแสวงหาความคิดริเริ่ม ตามแฟชั่นของศตวรรษ มันถึงการขยายตัว การกลายพันธุ์โวหารที่แท้จริง
แถลงการณ์ของนักดนตรีแห่งอนาคตกล่าวว่า: ทำให้เรามีความยินดีเป็นอย่างยิ่งที่จะผสมผสานเสียงของรถราง รถบรรทุก คุณลักษณะและฝูงชนที่ส่งเสียงดัง แทนที่จะฟังเช่น Heroic หรือ Pastoral และในวันอีสเตอร์ - ค็อกเทลหัวรถจักร
สถานการณ์นี้เกิดขึ้นได้อย่างไร?
คนสมัยใหม่ที่ยุ่งมากไม่ได้จองเวลาให้ตัวเอง กระบวนการร่ายมนตร์จะไม่เกิดขึ้นเมื่อได้ยินเสียงขลุ่ยหรือพิณอีกต่อไป เด็กที่หายไปซึ่งต้องมีอยู่ในทุกคน - วัยเด็กของมนุษย์ความสามารถในการประหลาดใจในความงามดั้งเดิมที่ให้ความสดชื่นและพละกำลัง
แต่กลับมีความเสี่ยงที่ดนตรีจะกลายเป็นแรงผลักดันอีกครั้ง ที่จะทำให้เกิดความผิดปกติทางจิตอย่างที่คาดไม่ถึง โดยเฉพาะอย่างยิ่งในหมู่สาวกรุ่นใหม่ (แจ๊ส ร็อค ฮาวีเมทัล ฯลฯ)
ยิ่งดูเหมือนว่าเรามีความสำคัญอย่างยิ่งในการประณามผลกระทบที่เป็นอันตรายและเพื่อให้ความรู้แก่ประชาชนทั่วไป ผู้คนทุกวัย และโดยเฉพาะอย่างยิ่งคนหนุ่มสาวถึงความจริงเกี่ยวกับดนตรีและคุณธรรม ประโยชน์และผลการรักษา
Melotherapy เป็นวิธีการรักษาหรือบรรเทาอาการโดยการฟังเพลง
คำถามที่เกิดขึ้นทันทีมีดังนี้:
ดนตรีที่มีคุณธรรมในการรักษาคืออะไร?
มันมีความเร็วเท่าไหร่?
มันฟังในสภาพแวดล้อมใด? เงื่อนไขการฟังคืออะไร?
ระดับเสียงควรเป็นอย่างไร? (ควรดังหรือช้าแค่ไหน)
ดนตรีที่มีความสามารถในการทำให้เกิดความสมดุลของพลังงานผ่านปรากฏการณ์ bioresonance ที่เกิดจากการสั่นของเสียงโดยทั่วไปแล้วจะเป็นดนตรีบรรเลง อันที่จริงความหมายของดนตรีที่ไร้คำพูดคือสิ่งที่ให้พลังและคุณค่า ว่ากันว่าไม่มีดนตรีและก็ไม่จำเป็นถ้าใครสามารถแสดงออกด้วยวาจาสิ่งที่สื่อสารผ่านดนตรีได้: ความรู้สึกของมนุษย์ทั้งหมด ปรากฏการณ์ทางธรรมชาติ ข้อเสนอแนะของฤดูกาล ช่วงเวลาของวันและคืนที่อธิบายไม่ได้ ความน่าดึงดูดใจ, ปาฏิหาริย์ของภูมิประเทศ, การระดมกำลัง, พลังงานหรือในทางกลับกัน, การกระจายตัว, การกระเจิงในมหาสมุทรกาแล็กซี่
จังหวะเป็นองค์ประกอบสำคัญที่ให้ความสบายหรือไม่สบาย และเชื่อมโยงผู้ฟัง (ผู้ฟัง) กับความรู้สึกของเวลา
เป็นที่ทราบกันดีว่าในระหว่างตั้งครรภ์ทารกในครรภ์จะฟังเสียงหัวใจของแม่ เขาคุ้นเคยกับจังหวะนี้ ในบริบทของการป้องกันสูงสุดที่อุณหภูมิของร่างกาย จังหวะของกลองของคนดึกดำบรรพ์เป็นจังหวะนี้อย่างแม่นยำ
ในดนตรียุคกลางและคลาสสิก เราพบจังหวะชีวิตที่เรารู้จักกันดีเกินกว่าจะจำได้ ล้ำค่าในจิตใต้สำนึก
ด้านล่างนี้คือรายชื่อนักประพันธ์เพลงและผลงานที่ใช้โดยทั่วไป (อ้างอิงจากนักวิจัยชาวอเมริกัน):
บาค:
ลาร์โก้ คอนเสิร์ตที่ลาว
ซิมโฟนีในบีแฟลต
ห้องสวีทสำหรับวงออเคสตรา
คอนเสิร์ตหมายเลขบรันเดนบูร์ก 4
เบโธเฟน:
ฮีโร่
โซนาต้าประจำเดือน
ซิมโฟนีที่ 7 (อัลเลเกรตโต)
บรามส์:
ไซต์ intermezzo
โชแปง:
คอนเสิร์ตครั้งที่ 1 สำหรับเปียโน (p.II)
เพลงวอลทซ์ในผู้เยาว์
เดอบัสซี่:
แสงจันทร์
กรีก:
เปียโนคอนแชร์โต้ในผู้เยาว์ (p.II)
ไฮเดน:
ซิมโฟนีหมายเลข 99 (p.II)
จดหมาย:
วิงวอน
เมนเดลโซห์น:
อิตาเลียนซิมโฟนี (p.II)
โมสาร์ท:
ซิมโฟนีหมายเลข 40 (p.II)
พระครู:
อินเตอร์เมซโซ่
รามานีนอฟ:
คอนเสิร์ตครั้งที่ 2 (p.II)
แซงต์-แซง:
L'Aquarium (จาก Animal Carnival)
ชูมานน์:
อาหรับ ภวังค์
ชูเบิร์ต:
ซิมโฟนีที่ 8 (p.II)
ไชคอฟสกี:
ซิมโฟนีที่ 6
แว็กเนอร์:
โหมโรงสู่ Parsifal
อีฟนิ่ง สตาร์ (ทรานน์เฮาเซอร์)

เงื่อนไขการฟัง:
ขอแนะนำให้อยู่คนเดียวในห้องให้มากที่สุดในห้องที่คุณจะไม่ถูกรบกวนระหว่างการฟัง
แหล่งกำเนิดเสียง (วิทยุ, เครื่องเล่นเทป, ลำโพง) ให้อยู่ห่างจากเก้าอี้หรือเก้าอี้นวมที่คุณนั่ง 2-3 เมตร
วัตถุหรือภาพถ่ายที่ชวนให้นึกถึงจะถูกลบออกจากลานสายตา
เก้าอี้หรืออาร์มแชร์ไม่ควรสูงหรือสั้นเกินไป เพื่อไม่ให้เป็นอุปสรรคต่อการไหลเวียนของโลหิต
มือจะถูกวางไว้ข้างลำตัวและขาจะขนานกันไม่ไขว้กันเพื่ออำนวยความสะดวกในการไหลเวียนของพลังงานในเส้นเมอริเดียนของร่างกาย
(เราใช้ตำแหน่งไขว้เมื่อเราปกป้องตัวเองจากคู่สนทนาที่ไม่พอใจหรือผู้ที่สื่อสารสิ่งที่ไม่เป็นที่พอใจแก่เราหรือมีน้ำเสียงบางอย่างซึ่งเป็นความรุนแรงทางวาจา)
ระดับเสียง ความเข้ม ยากสำหรับเราที่จะกำหนด คุณเป็นคนหนึ่งที่สามารถชื่นชมแต่ละคนได้ตามอารมณ์และความชัดเจนในการได้ยิน แต่โปรดจำไว้ว่าระดับที่อ่อนแอเกินไปสามารถขจัดความประทับใจบางอย่างได้โดยเฉพาะเมื่อพูดถึงการเล่นวงออเคสตราและระดับที่สูงเกินไป (ดัง) เหน็ดเหนื่อย เปลี่ยนพลังทางอารมณ์ของการได้ยิน
สามารถใช้เครื่องช่วยฟังที่บ้านได้เพื่อไม่ให้รบกวนสมาชิกในครอบครัวคนอื่นๆ
แสงสว่างของห้องหรือห้องที่จัดเซสชั่นเมโลเทอราพีสามารถ:
ธรรมชาติ (กลางวัน)
เทียม โดยเฉพาะอย่างยิ่งเมื่อรวมกับการบำบัดด้วยสี การฝึกเลือกสีขึ้นอยู่กับการวินิจฉัย
นอกจากนี้ ในวันที่ฝนตกหรือมีหมอก ข้างนอกเป็นสีเทา เรายังใช้แสงประดิษฐ์ไม่ว่าจะที่บ้านหรือในระหว่างการออดิชั่นแบบกลุ่ม
อุณหภูมิแวดล้อม: 20-22 องศา (18-24 องศา)
ในระหว่างการออดิชั่นเราขอแนะนำให้คุณจำสิ่งมหัศจรรย์ในธรรมชาติ: ภูเขา, ป่าไม้, น้ำทะเลใส, ดอกไม้, ความสามัคคีของสี ฯลฯ และถ้าคุณเหนื่อยอย่าคิดอะไรเลยปล่อยให้ตัวเองถูกขโมยอาบน้ำโยกเยก โดยดนตรี
เราแนะนำให้ฟังเพลงอย่างน้อยสามชิ้น การเลือกของพวกเขาขึ้นอยู่กับระดับวัฒนธรรม วัฒนธรรมดนตรี สภาพทางอารมณ์ และการวินิจฉัยเมื่อบุคคลนั้นป่วย
ดังนั้นการบำบัดด้วยเมโลเทอราพีจึงใช้วิธีการทางธรรมชาติอื่นๆ เพื่อวัตถุประสงค์ในการป้องกันและรักษา
แพทย์ นักบำบัด คือผู้คัดเลือกชิ้นส่วนดนตรีในกรณีที่สอง
เพราะดนตรีทำหน้าที่อย่างละเอียด ในระบบการสั่นสะเทือนและไบโอเรโซแนนซ์ แม้แต่เพลงของนักประพันธ์เพลงคลาสสิกที่ได้รับการเพาะเลี้ยง ในแผนกอายุรกรรมหรือในสำนักงานทันตกรรม โดยไม่คำนึงถึงระดับของวัฒนธรรมของผู้ป่วยจะมีผลดี


ยอห์น 8, 51-59

“พระเจ้าตรัสกับพวกยิวที่มาหาพระองค์ว่า เราบอกความจริงแก่ท่านว่า ถ้าผู้ใดรักษาคำพูดของเรา เขาจะไม่มีวันตาย แต่พวกยิวพูดกับเขาว่า "บัดนี้เรารู้แล้วว่าเจ้าเป็นมาร" ผู้เผยพระวจนะอับราฮัมก็สิ้นชีวิตเช่นกัน และเจ้าพูดว่า ถ้าชายคนหนึ่งรักษาคำพูดของเรา เขาจะไม่ได้ลิ้มรสความตายเป็นนิตย์หรือ? เจ้ายิ่งใหญ่กว่าอับราฮัมบิดาของเราที่ตายไปแล้วมิใช่หรือ? และผู้เผยพระวจนะก็ตาย คุณทำให้ตัวเองเป็นใคร? พระเยซูตรัสตอบว่า ถ้าฉันยกย่องตัวเอง สง่าราศีของฉันก็ไม่มีอะไรเลย พระบิดาของเราต่างหากที่ยกย่องฉัน ซึ่งคุณบอกว่าเขาเป็นพระเจ้าของคุณ และคุณไม่รู้จักพระองค์ แต่ฉันรู้จักพระองค์ และถ้าฉันบอกว่าฉันไม่รู้จักพระองค์ ฉันจะเป็นคนพูดมุสาเหมือนคุณ แต่ฉันรู้จักพระองค์และรักษาพระวจนะของพระองค์ อับราฮัม บิดาของเจ้าดีใจที่ได้เห็นวันของเรา เห็นแล้วเปรมปรีดิ์ พวกยิวจึงพูดกับเขาว่า "ท่านอายุยังไม่ถึงห้าสิบปี และท่านเห็นอับราฮัมหรือ" พระเยซูตรัสกับเขาว่า "เราบอกความจริงแก่ท่านว่า เราอยู่ต่อหน้าอับราฮัม" พวกเขาจึงหยิบหินขว้างพระองค์ แต่พระเยซูทรงซ่อนพระองค์เสด็จออกจากพระวิหารเสด็จผ่านท่ามกลางพวกเขาแล้วเสด็จผ่านไป


เนื้อหา

คำว่า ซิมโฟนี มาจากภาษากรีก ซิน (ด้วยกัน) และ โทรศัพท์ (โทร). ในศตวรรษที่สิบเจ็ด คำนี้ใช้สำหรับการแนะนำงานของวงดุริยางค์ (ซิมโฟนี), cantatas, oratorios สำหรับการแนะนำวงออร์เคสตราของ arias แต่ยังสำหรับผลงานของวงดนตรีที่สามารถจัดเป็น sonatas หรือคอนเสิร์ตได้ ปัจจัยทั่วไปในการใช้คำศัพท์ที่หลากหลายคือการรักษาซิมโฟนีหรือซิมโฟนีโดยเป็นส่วนหนึ่งของชิ้นส่วนที่ใหญ่กว่าขององค์ประกอบ

เพื่อให้เข้าใจถึงการพัฒนาของรูปแบบซิมโฟนีคลาสสิก จึงจำเป็นต้องติดตามวิวัฒนาการในศตวรรษที่ 18 ประการแรก ซิมโฟนีถูกนำไปใช้อย่างเข้มข้นตลอดศตวรรษ: แคตตาล็อกของซิมโฟนีในศตวรรษที่สิบแปดมีผลงานที่โดดเด่นกว่า 13,000 ชิ้น ในเวลานั้น ในยุโรปไม่มีรูปแบบที่หรูหรา โบสถ์ หรือแม้แต่สไตล์ส่วนตัวที่มีชุดซิมโฟนี (สต็อก) มีการค้นพบคอลเล็กชั่นล้ำค่าในฟินแลนด์ ซิซิลี เคียฟ หรือเซเลม ศูนย์กลางการผลิตซิมโฟนีชั้นนำอย่างไม่ต้องสงสัยคือเวียนนา ตามมาด้วยเยอรมนี อิตาลี ฝรั่งเศส และอังกฤษ แต่มีกิจกรรมสำคัญเกิดขึ้นในสแกนดิเนเวีย สเปน โปแลนด์ และรัสเซีย ประการที่สอง สิ่งสำคัญคือการพัฒนาซิมโฟนีอย่างต่อเนื่อง โดยเริ่มตั้งแต่ปลายศตวรรษที่ 17 ด้วยความต้องการทางเทคนิคของเครื่องดนตรี เนื้อหาและความแตกต่างของจังหวะ และในที่สุดก็นำไปสู่ขั้นตอนที่สมดุลซึ่งสรุปความคลาสสิก สไตล์. ในที่สุด การกำหนดลักษณะทั่วไปของซิมโฟนีในขนาดที่ใหญ่ขึ้น ประกอบกับความจริงที่ว่ามันไม่ได้ขึ้นอยู่กับคุณธรรมบางอย่างเพื่อให้บรรลุผลดังกล่าว ให้น้ำหนักและความหมายที่ต้องใช้ทักษะของนักแต่งเพลง ตำแหน่งที่โดดเด่นมากขึ้นของการแสดงซิมโฟนีในศตวรรษที่สิบแปด ปรากฏอย่างเป็นรูปธรรมในความสำคัญสองเท่าที่มันครอบครองในแคตตาล็อกที่ตีพิมพ์และบทบาทที่โดดเด่นในงานเขียนของเวลา [1]

การบันทึกคำศัพท์ในแหล่งต้นทาง Change

ในสมัยโบราณของกรีก คำว่า Συμφωνια หมายถึงพยัญชนะ โดยเฉพาะพยัญชนะที่สมบูรณ์แบบ (อ็อกเทฟ) แต่ถูกใช้โดยอริสโตเติล (ใน "เกี่ยวกับสวรรค์") และเพื่อระบุการแสดงต่อสาธารณะของนักดนตรีหลายคน [ต้องมีการอ้างอิง] ในภาษาโรมัน ในภาษาลาตินคลาสสิก คณะนักร้องประสานเสียงที่ร้องอ็อกเทฟ ไพเราะ. ในยุคกลาง คำว่า ซิมโฟเนีย เขาต่อต้าน ไดอะโฟเนีย: อันแรกแสดงความสอดคล้อง ในขณะที่อันที่สองสอดคล้องกับความไม่สอดคล้องกัน อิซิดอร์แห่งเซบียา (560-636) ใช้คำภาษาละติน ซิมโฟเนีย เพื่อตั้งชื่อเครื่องเพอร์คัชชันสองหัว ในฝรั่งเศสยุคกลางที่พัฒนาแล้วและปลาย (ศตวรรษที่ 12-14, ซิมโฟนี เป็นชื่อของกระติกน้ำ (Organistrum). ในประเทศเยอรมนี ภายหลังจะเรียกว่ากระดูกสันหลัง ซิมโฟนี.

การเปลี่ยนแปลงยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาและบาโรก

การใช้คำนี้เป็นครั้งแรกเพื่อระบุองค์ประกอบทางดนตรีที่พบในต้นฉบับศตวรรษที่ 15 ที่ค้นพบในเมืองไลพ์ซิกซึ่งมีซิมโฟนี "สำหรับ ทูบา และเครื่องดนตรีที่กลมกลืนกันอื่น ๆ ” (เพื่อไม่ให้สับสนกับภาษาละติน ทูบา ด้วยเครื่องดนตรีสมัยใหม่ ทูบายุคฟื้นฟูศิลปวิทยายังเป็นเครื่องเป่าลมทองเหลืองชนิดหนึ่ง แต่มีโครงสร้างที่แตกต่างไปจากเดิมอย่างสิ้นเชิง) เริ่มตั้งแต่ศตวรรษหน้า คำว่า "ซิมโฟนี" ถูกใช้บ่อยขึ้นเรื่อยๆ โดยมีความหมายต่างกัน ดังนั้นในปี ค.ศ. 1585 ที่เมืองแอนต์เวิร์ปจึงตั้งชื่อกลุ่มมาดริกาล Angelic Symphony โดยนักดนตรีที่ยอดเยี่ยมหลายคน. ในอิตาลี ในปี ค.ศ. 1589 ลูก้า มาเรนซิโอได้รวมตัวกันภายใต้ชื่อ ซิมโฟเนีย ชุดของ อินเตอร์เมซซี่ บรรเลงและในเวนิสในปี ค.ศ. 1597 Giovanni Gabrieli ได้แต่งชุดเสียงร้องและเครื่องดนตรีหลายเสียงซึ่งเขาให้สิทธิ์ Cantus sacrae ซิมโฟเนีย. ในปี ค.ศ. 1603 ได้มีการรวบรวมชิ้นส่วนภายใต้ชื่อที่ปรากฏในนูเรมเบิร์ก Sacrae symphoniae diversorum excellentissimorum auctorum.

องค์ประกอบทางดนตรีที่เรียกกันว่า "ซิมโฟนี" มากขึ้นเรื่อย ๆ ตั้งแต่ศตวรรษที่สิบเจ็ด (ในภาษาอิตาลี: ซิมโฟนี) เป็นบทนำของงานโคลงสั้น ๆ ซึ่งเป็นสายพันธุ์ที่พัฒนาในเวลานั้นในอิตาลีโดยเฉพาะในฟลอเรนซ์ - เริ่มต้นด้วย Jacopo Peri (ยูริไดซ์), Giulio Caccini และคนอื่นๆ ในแวดวงวัฒนธรรม Camerata de 'Bardiโดยมี Vincenzo Galilei เป็นที่ปรึกษาด้านดนตรีของเขา [ต้องมีการอ้างอิง] ตัวอย่างคือ "ซิมโฟนี" ที่โอเปร่าที่มีชื่อเสียงเปิดขึ้น ออร์ฟัส ของเคลาดิโอ มอนเตแวร์ดี (1607)

ต่อมา มีความแตกต่างที่ชัดเจนระหว่าง "ซิมโฟนี" ของฝรั่งเศสและอิตาลี ต่างจากการแนะนำวงดนตรีของงานฝรั่งเศส - เปิด (ตามโครงการที่เสนอโดย Jean-Baptiste Lully คือช้าเร็วบางครั้งมีการเริ่มต้นใหม่ของการเคลื่อนไหวครั้งแรก) ซิมโฟนี ภาษาอิตาลี (โดยเฉพาะอย่างยิ่งโดยโรงเรียนดนตรีเนเปิลส์โดย Alessandro Scarlatti แล้วแพร่หลายไปทั่วประเทศ) มีลักษณะเฉพาะด้วยการเคลื่อนไหวเร็ว-ช้า-เร็ว

บาโรกปลายและ "สไตล์ผู้กล้าหาญ" Change

คำว่าซิมโฟนียังคงใช้ในความหมายต่างๆ Johann Sebastian Bach เรียก "ซิมโฟนี" ว่าเป็นวัฏจักรของการประดิษฐ์ฮาร์ปซิคอร์ด (1723) เช่นเดียวกับโหมโรง จับคู่ใน C minor สำหรับฮาร์ปซิคอร์ด.

ใกล้ช่วงกลางศตวรรษที่สิบแปด คนรุ่น (ซึ่งเรียกตัวเองว่า "รูปแบบความกล้าหาญ") ที่จะกำหนดการเปลี่ยนแปลงไปสู่รูปแบบที่เปลี่ยนแปลงไปอย่างสิ้นเชิง (ที่รู้จักกันในปัจจุบันในชื่อ "ความคลาสสิก") รวมถึงปฏิกิริยาที่รุนแรงต่อสุนทรียศาสตร์ของ เพลงบาร็อค Carl Philipp Emanuel Bach (1714-1788 ลูกชายของ Johann Sebastian), Johann Gottlieb Graun (1702-1771) และ Georg Christoph Wagenseil (1715-1777) ใช้คำว่าซิมโฟนีสำหรับวงดนตรีเดี่ยวโดยแบ่งออกเป็นสามส่วน การเคลื่อนไหวที่ตัดกัน (กลับมาใช้รุ่นเก่าที่เสนอโดยชาวอิตาลี) มีบทบาทสำคัญในการพัฒนาซิมโฟนีรูปแบบใหม่นี้โดย Mannheim School of Music ซึ่งมีเนื้อหาเกี่ยวกับนักแต่งเพลงและผู้ควบคุมวง Johann Stamitz (1717-1757)

การแสดงดนตรีซิมโฟนีที่เก่าที่สุดจัดสำหรับเครื่องสายออร์เคสตรา กับฮาร์ปซิคอร์ดและมักจะบาสซูนเป็นส่วนหนึ่งของกลุ่มคอนติเนนโอ แม้ว่าบรรทัดฐานจะมีเครื่องดนตรีสี่ชิ้น (ไวโอลินสองตัว วิโอลาหนึ่งตัว และเบสหนึ่งตัว) ซิมโฟนีทั้งสามสำหรับไวโอลินและเบสสองตัวนั้นพบได้ทั่วไปในช่วงเริ่มต้นของซิมโฟนี ซิมโฟนีที่ตั้งขึ้นต่ำกว่ามาตรฐาน 4 ยังคงได้รับการปลูกฝังมาจนถึงสิ้นศตวรรษ โดยเฉพาะอย่างยิ่งโดยนักประพันธ์เพลงที่ทำงานในศูนย์ขนาดเล็กในจังหวัด แต่ยังอยู่ในสถานการณ์พิเศษโดยบุคคลที่มีชื่อเสียงเช่น Carl P.E. Bach ซึ่งแสดงซิมโฟนีสำหรับวงออร์เคสตราจากปี 1773 แต่งขึ้นสำหรับ Gottfried van Swieten [1]

สายพันธุ์ใหม่กำลังแพร่กระจายไปยังส่วนที่เหลือของยุโรป จำนวนส่วนประกอบเพิ่มขึ้นเป็นสี่ชิ้น โดยการแนะนำโดย Johann Stamitz ก่อนการเคลื่อนไหวขั้นสุดท้ายของอีกองค์ประกอบหนึ่ง ในจังหวะของ นาที. [ต้องมีการอ้างอิง] นักแต่งเพลงซิมโฟนี ได้แก่ Matthias Georg Monn (1717-1750), Wenzel Raimund Birck (1718-1763, Vienna), Leopold Mozart (1719-1787, Salzburg), François-Joseph Gossec (1734-1829, Paris) ) ในอังกฤษ แนวเพลงไพเราะกลายเป็นที่รู้จักจากผลงานของนักประพันธ์เพลงชาวเยอรมัน Johann Christian Bach (1735-1782) และ Karl Friedrich Abel (1723-1787) ซึ่งตั้งอยู่ในลอนดอน [ต้องมีการอ้างอิง] ในอิตาลี Giovanni Battista Sammartini (1701-1750), Andrea Luchesi (1741-1801) และ Antonio Brioschi (1725-1750) โดดเด่น

ซิมโฟนีคลาสสิกพัฒนาขึ้นในกรุงเวียนนาในช่วงทศวรรษสุดท้ายของศตวรรษที่สิบแปด และส่วนใหญ่เกี่ยวข้องกับชื่อนักประพันธ์เพลง โจเซฟ ไฮเดน, โวล์ฟกัง อมาเดอุส โมสาร์ท และลุดวิก ฟาน เบโธเฟน

การมีส่วนร่วมของนักประพันธ์เพลงที่สำคัญที่สุดของยุคการปรับเปลี่ยน

โจเซฟ ไฮเดน เอดิต

Haydn แนะนำบรรยากาศทางอารมณ์ที่แข็งแกร่งผ่านความเกี่ยวข้องกับการเคลื่อนไหวทางศิลปะที่เรียกว่าเวลา Sturm und Drang ซิมโฟนีของเขาสร้างพิกัดของรูปแบบคลาสสิกของสายพันธุ์ เขาเขียนเรียงความดังกล่าว 104 บท ซึ่งหลายคนรู้จักในปัจจุบันด้วยชื่อที่มีการพาดพิงแบบเป็นโปรแกรมซึ่งอันที่จริงแล้วเป็นของครั้งล่าสุด ไฮเดนพัฒนาแบบจำลองสำหรับโครงสร้างของซิมโฟนี ศีลที่จัดตั้งขึ้นจึงนับสี่ส่วน ซิมโฟนีของเขามักจะเริ่มต้นด้วย a อัลเลโกร ในรูปแบบของโซนาต้า ต่อแบบสโลว์โมชั่น (อันดันเต้ หรือ adagio) ตามด้วย minuet และตอนจบ (สุดท้าย) ในจังหวะจังหวะ มักจะอยู่ในรูปของ rondo สุดยอดของการสร้างของ Haydn คือการแสดงซิมโฟนีสิบสองครั้งสุดท้าย [ต้องมีการอ้างอิง] เรียกว่า "ซิมโฟนีลอนดอน” ประกอบด้วยระหว่างปี ค.ศ. 1790 ถึง พ.ศ. 2338 สำหรับซาโลมอนอิมเพรสซาริโอ

เป็นเวลาเกือบ 40 ปีที่เขาแต่งซิมโฟนี่ ไฮเดนมีผลงานโดดเด่นเหนือกว่านักประพันธ์เพลงในยุคนั้นส่วนใหญ่เนื่องจากประสบการณ์ของเขา เป็นการยากที่จะจัดกลุ่มการสร้างซิมโฟนิกขนาดใหญ่ออกเป็นช่วงเวลา เนื่องจากความคล้ายคลึงกันระหว่างซิมโฟนีตามลำดับเวลาที่อยู่ติดกันมักไม่ค่อยสังเกตเห็นได้ชัดเจนกว่าความแตกต่างและลักษณะเฉพาะ ในวัยหนุ่มของเขา Haydn ทำงานให้กับสถาบันขนาดเล็ก โดยมีวงดนตรีที่เจียมเนื้อเจียมตัวคอยดูแลอยู่ ซึ่งสะท้อนให้เห็นในวงซิมโฟนีในยุคแรกๆ ของเขา ในช่วงเวลานี้และในปีต่างๆ ภายหลังเขาได้รับการแต่งตั้งให้เป็นศาล Esterhazy ในปี ค.ศ. 1761 Haydn ได้แต่งเพลงไพเราะในรูปแบบต่างๆ มากกว่าเวลาอื่น ๆ รวมทั้งงานที่มีองค์ประกอบคอนเสิร์ต ศีล ตอนจบของความทรงจำ ไม่ควรมองว่ารูปแบบที่แตกต่างกันเหล่านี้เป็นการทดลองแต่เป็นการตอบสนองต่อข้อกำหนดที่เปลี่ยนแปลงซึ่งอาจรวมถึงการตีความในคริสตจักร ในช่วงไม่กี่ปีที่ผ่านมา Haydn ได้ตอบสนองต่อความท้าทายพิเศษด้วยวิธีแก้ปัญหาเชิงจินตนาการอย่างคาดไม่ถึง เช่นเดียวกับในการ์ตูนเรื่อง "Il distratto" (หมายเลข 60 - 1774) ซึ่ง 6 ส่วนนี้ถูกเขียนขึ้นเพื่อเป็นอุปกรณ์เสริมทางดนตรีสำหรับคอเมดี หรือใน "Hornsignal" (ฉบับที่ 31 - 1765) ตัวอย่างที่ยอดเยี่ยมของการรักษาร่วมกันซึ่งเขารวมถึงความต้องการแตรต่างๆ การแสดงซิมโฟนีในยุคแรกๆ ของ Haydn แสดงให้เห็นถึงความเหนือกว่าของสามส่วนวงจร แม้ว่าตั้งแต่ต้นเขาก็ให้ความสนใจจุดจบของซิมโฟนีของเขามากกว่าการทาบทามของโอเปร่าทั่วไป ในช่วงเวลานี้ Haydn เริ่มใช้แผนมากขึ้นเรื่อย ๆ ซึ่งมีสี่การเคลื่อนไหวที่พบในซิมโฟนีออสเตรียหลายแห่ง: เร็ว - minuet / trio - ช้า - เร็ว (ซิมโฟนีหมายเลข 32, 37 และต่อมาหมายเลข 44 และ 68 หมายเลข 15 ด้วย โครงสร้างช้า - เร็ว - ช้าแทนการเคลื่อนไหวเร็วครั้งแรก) ช้า - เร็ว - นาที / ทริโอ - เร็ว (ซิมโฟนีหมายเลข 5, 11, 21, 22, 34 และ 49 หมายเลข 18 พร้อมโครงสร้างช้า - เร็ว - จังหวะได minuetto) และรอบมาตรฐานสุดท้าย เร็ว - ช้า - minuet / trio - เร็ว (เริ่มต้นด้วยซิมโฟนีหมายเลข 3 - 6,7,8 - ไตรภาค "Le matin", "Le midi" และ "Le soir" - และ Nos. 14, 20, 33 และ 36) หมายเลข 6-7 เป็นหนึ่งในซิมโฟนีกลุ่มแรกที่รวมการเริ่มต้นที่ช้า 6 ("Le matin") เป็นพระอาทิตย์ขึ้นที่ "ย่อ" มากกว่า อย่างไรก็ตาม Haydn ไม่ได้ใช้โมเดลนี้จนถึงปี 1770 และกลายเป็นโมเดลมาตรฐานสำหรับเขาหลังจากปี 1785 เท่านั้น ต่อมาในอาชีพของ Haydn ก็มีการปรับแต่งและนวัตกรรมต่างๆ ที่มีความสำคัญต่อนักประพันธ์เพลงในภายหลัง ซึ่งรวมถึงการแนะนำองค์ประกอบเฉพาะเรื่องระหว่างการแนะนำอย่างช้าๆ การเคลื่อนไหวอย่างรวดเร็วและการเคลื่อนไหวอย่างรวดเร็วที่ตามมา (ซิมโฟนีหมายเลข 90, 98, 102-3) การพัฒนาและการใช้ประโยชน์จากรูปแบบต่างๆ มากมายในการเคลื่อนไหวช้า รวมถึงการสลับหรือรูปแบบคู่ ( เริ่มต้นด้วยซิมโฟนีหมายเลข 53, 63 และ 70) และการผสมผสานที่มีประสิทธิภาพของรูปแบบที่เชื่อมต่อ minuet และ trio โดยใช้การเปลี่ยน (Symphonies Nos. 50, 99 และ 104) รวมถึงการใช้ส่วนสุดท้ายในแบบฟอร์มอย่างแพร่หลาย ของโซนาตา-รอนโด (ตัวอย่างที่รู้จักกันดีที่สุดในซิมโฟนีหมายเลข 88, 94, 99, 101, 102 และ 103) ตำแหน่งของ Haydn ที่ราชสำนักของ Prince Esterhazy จำเป็นต้องมีการผลิตอย่างต่อเนื่องเพื่อการประหารชีวิตในทันที ดังนั้นจึงเป็นโอกาสพิเศษสำหรับการแต่งเพลง แต่ยังรวมถึงการวิจารณ์ตนเองด้วย ดังนั้น ด้วยประโยชน์จากกรอบการทำงานที่อุดมสมบูรณ์เช่นนี้ Haydn จึงเริ่มการขยายภายใน เพิ่มแนวคิดเฉพาะเรื่อง พัฒนาวิธีการพัฒนาใหม่ๆ การแสดงซิมโฟนีที่กลั่นกรองออกมาจำนวนมหาศาลแสดงให้เห็นขั้นตอนการทำงานที่มีลักษณะเฉพาะมากมาย รวมถึงการสร้างนิทรรศการที่เริ่มต้นจากแนวคิดเฉพาะเรื่องที่มีคอนทราสต์ที่มักถูกเลื่อนออกไปเป็นช่วงสุดท้าย . สุดยอดของความสำเร็จของ Haydn ในฐานะนักซิมโฟนีเกิดขึ้นในปี ค.ศ. 1785-1795 คณะกรรมการจากปารีสได้ให้กำเนิดซิมโฟนีใหม่หกรายการ (หมายเลข 82 - 87) สำหรับคอนเสิร์ตที่ "Loge Olympique" ตามด้วยซิมโฟนีหมายเลข 88 และ 89 ("Tost" - 1787) และหมายเลข 90-92 (จาก 1788)ในงานเหล่านี้ Haydn ได้ก้าวไปสู่ระดับใหม่ของความเฉลียวฉลาด อารมณ์ขัน และความสามารถในการเข้าถึง ต่อมา การเดินทางไปลอนดอนในปี พ.ศ. 2334-2535 และ พ.ศ. 2337-2538 สร้างซิมโฟนีหกชุดสองชุด: ไม่ใช่ 93-98 และ 99-104 ซึ่งทำให้ซิมโฟนีกลุ่มอื่นเท่าเทียมกันในด้านคุณภาพและเหนือกว่าพวกเขาในขอบเขตของความคิดความน่าดึงดูดใจความไพเราะความฉลาดของวงดนตรี Haydn เป็นผู้ริเริ่มในทุกด้าน เกือบทุกซิมโฟนีมีความคิดหลากหลายที่ท้าทายการจำแนกประเภท สองขั้นตอนที่เกิดซ้ำแต่เปลี่ยนแปลงตลอดเวลาช่วยให้ไตร่ตรองวิธีการของเขาเพียงเล็กน้อย ประการแรก โดยการปฏิบัติต่อวลีนี้ให้เป็นจุดสิ้นสุดในตัวเองน้อยกว่าในกลุ่มที่พัฒนาตามจังหวะมากกว่าบางกลุ่ม ทำให้เกิดการควบคุมจังหวะที่กว้างผิดปกติ ประการที่สอง โดยขยายกระบวนการพัฒนาทั้งส่วนนิทรรศการและครึ่งส่วน [1]

ในบรรดานวัตกรรมของ Haydn ในโครงสร้างของซิมโฟนีคือ:

  • บทนำสั้นๆ ในจังหวะช้าๆ โดยเปิดส่วนแรก แล้วดำเนินต่ออย่างมีชีวิตชีวา
  • ภาคสอง ช้า จัดเป็นธีมที่มีความหลากหลาย
  • มินูเอ็ท (ตอนที่ 3) มีสองทรีโอ ส่วนเทอร์นารีมิเตอร์ (ใน 3 จังหวะ) บอกลักษณะการเต้นที่มากับชื่อเดียวกัน
  • จบมีจังหวะที่รวดเร็วและรูปร่าง rondo สมมาตร ปราศจากความผิดปกติของ rondo บาโรก [ต้องมีการอ้างอิง]

โวล์ฟกัง อมาดิอุส โมสาร์ท เอดิต

41 ซิมโฟนีแห่ง W.A. โมสาร์ทเป็นระดับสูงสุดในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่สิบแปด [ต้องมีการอ้างอิง] ในตอนแรกที่กระตือรือร้นเกี่ยวกับรูปแบบของโยฮันน์ คริสเตียน บาค (บุตรชายของโยฮันน์ เซบาสเตียน ตั้งรกรากในลอนดอน) โมสาร์ทก็รับช่วงต่อการสร้างซิมโฟนิกที่พัฒนาโดยเจ. ไฮเดน ผลงานของเขาสนับสนุนเมโลดี้ (พัฒนาเหนือพล็อตฮาร์โมนิกที่จำเป็นเมื่อเทียบกับการสร้างสรรค์ครั้งก่อน ท่วงทำนองของโมสาร์ทได้รับการอธิบายอย่างดีเยี่ยมในแง่ของความเฉลียวฉลาด แฟนตาซี) [ต้องมีการอ้างอิง] และการประสานเสียง ซิมโฟนีที่รู้จักกันดีที่สุดของเขาคือ: "Parisian" KV 297 (1778), "Haffner" KV 385 (1782), "Linz" KV 425 (1783) เช่นเดียวกับสี่ครั้งสุดท้าย "Prague" KV 504 (1786), Symphony ใน Mi ♭ < displaystyle flat> major, no. 39 KV 543, Symphony in G minor, หมายเลข 40 KV 550 และ "Jupiter" Symphony, no. 41 KV 551 (ทั้งหมดในปี 1788)

โมสาร์ทเริ่มเขียนซิมโฟนีในปี พ.ศ. 2307 ในอังกฤษเมื่ออายุเพียงแปดขวบ ดนตรีซิมโฟนีของโมสาร์ทมีมายาวนานถึง 25 ปี เนื่องจากเป็นจุดเริ่มต้น เนื่องจากการติดต่อที่เป็นมิตรที่เขามีในอังกฤษกับ J.C. Bach และ Abel, Mozart เข้าใกล้รูปแบบการประพันธ์ "อิตาลี" ด้วยการเคลื่อนไหวตามจังหวะที่สง่างามซึ่งพื้นหลังออสโตร - เยอรมันของเขาเพิ่มความลึกที่กลมกลืนกัน ถ้อยคำที่ละเอียดอ่อนและความเก่งกาจของวงดนตรี การแสดงซิมโฟนีในยุคแรกๆ ของ Mozart ประสบปัญหามากมายเกี่ยวกับความถูกต้องและลำดับเหตุการณ์ งานแรกๆ ที่เขียนในลอนดอนและเนเธอร์แลนด์ระหว่างปี 1764-1766 ประกอบด้วยสามส่วน ส่วนหลังอยู่ใน 3/8 แต่ละส่วนแรกอยู่ในรูปแบบไบนารีของโซนาตา ซึ่งจะมีการทำซ้ำเพียงครึ่งหลังของการแสดงซ้ำ ของขวัญที่โมสาร์ทได้รับ โดยเฉพาะความรู้สึกของสีและความสมดุล ทำให้เกิดความแตกต่างเฉพาะหลายประการระหว่างซิมโฟนีของเขาและของไฮเดน ความอ่อนไหวต่อสีของเขาทำให้เกิดความผูกพันกับเครื่องดนตรีลมมากขึ้น แต่ยังรวมถึงสไตล์การประพันธ์ที่เปี่ยมด้วยการแสดงออก ความกังวลเรื่องสียังปรากฏอยู่ในส่วนการพัฒนา การใช้การมอดูเลต ซึ่งส่วนใหญ่ไม่มีการเปลี่ยนแปลงที่สำคัญ ทำให้นักวิจารณ์บางคนมองว่าการพัฒนาของโมสาร์ทมีความสำคัญน้อยกว่าและ "จริงจัง" น้อยกว่าของไฮเดน คุณสมบัติสองประการสุดท้ายของสไตล์ซิมโฟนิก Mozartian ที่เป็นผู้ใหญ่นั้นน่าสังเกต ประการแรก บางแง่มุมของการควบคุมจังหวะของเขา แม้ว่าจะมองเห็นได้น้อยกว่าผู้นำที่จูงใจของ Haydn ซึ่งมีส่วนอย่างมากต่อเหตุผลของการเคลื่อนไหว และจุดที่สองที่มักถูกมองข้ามหมายถึงวิธีที่ Mozart พัฒนาตอนจบของชิ้นส่วนต่างๆ ซึ่งรวมถึงทั้งความสงบและความเฉลียวฉลาด [1]

ลุดวิก ฟาน เบโธเฟน Edit

ผ่าน L. van Beethoven ซิมโฟนีได้รับมิติใหม่ในเนื้อหาและรูปแบบซึ่งจะทำให้ผู้ชมประหลาดใจ เขาแต่งเพลงซิมโฟนีเก้าเพลง บางเพลงมีเนื้อหาแบบเป็นโปรแกรมที่มีแนวคิดในอุดมคติและจริยธรรมสูงส่ง [ต้องมีการอ้างอิง] ซิมโฟนีของเบโธเฟน เช่นเดียวกับการสร้างสรรค์ทั้งหมดของเขา ชี้นำความสนใจในเพลงที่กระตุ้นโดยการสร้างของ W.A. โมสาร์ทมุ่งสู่ความกลมกลืน (คอร์ด) โพลีโฟนีและรูปแบบ - ในคำเดียว โครงสร้างทางดนตรีแทน ท่วงทำนองของเขาเป็นเพลงที่ "แย่" (Liviu Dănceanu) [2] การเปรียบเทียบของผู้แต่งทั้งสองยังดำเนินต่อไป อภิปรายประเภทของ "นักประพันธ์เพลง" และหนึ่งใน "ผู้แต่ง" - อย่างแรกขึ้นอยู่กับเอฟเฟกต์ที่สร้างขึ้นโดยเพลงที่มีบุคลิกมากมาย ในขณะที่ส่วนที่สองโดดเด่นด้วยการพัฒนา ธีมดนตรีเล็กน้อย (เมื่อถูกนำออกจากบริบท) เบโธเฟนถือเป็น "นักประพันธ์เพลง" ที่สร้างสรรค์ที่สุดในยุคของเขา โดยคำให้การเกี่ยวกับศิลปะของเขาคือพัฒนาการในส่วนแรกของ Fifth Symphony และส่วนที่สองของ Seventh Symphony สร้างขึ้นในธีมที่แทบไม่มีเมโลดี้ (ส่วนท้ายของ การเคลื่อนไหวดำเนินต่อธีมในลักษณะกระจัดกระจาย "ข้าม" หลายส่วนเครื่องมือของวงออเคสตราในระหว่างการพูด ในขั้นตอนที่คล้ายกับ Klangfarbenmelodie กำหนดในศตวรรษที่ยี่สิบ)

ภาษาดนตรีที่เบโธเฟนนำมาใช้ในการแสดงซิมโฟนีของเขาได้รับการยกย่องในขณะนั้นว่ามีความคล่องตัวและคาดเดาไม่ได้ โครงสร้างของส่วนแรกได้รับการขยาย ซึ่งประกอบด้วยการพัฒนาที่สอดคล้องกันมากขึ้น ซึ่งเป็นส่วนที่แตกต่างของนิทรรศการ ในขณะที่โค้ดจะกลายเป็นส่วนแบบสแตนด์อะโลนที่มีบทส่งท้ายของวาทกรรมดนตรี เบโธเฟนขยายวงออร์เคสตรา โดยเฉพาะอย่างยิ่งในทิศทางของเครื่องดนตรีประเภทลม ซึ่งนอกจากนี้ยังมีตำแหน่ง "ไพเราะ" ร่วมกับตระกูลเครื่องสายด้วย

The Third Symphony "The Heroic" (1803) ซึ่งแสดงถึง "จุดเริ่มต้นของยุคสร้างสรรค์ที่ยิ่งใหญ่" (Romain Rolland), [ต้องมีการอ้างอิง] เสนอการเคลื่อนไหวที่ช้าและน่าทึ่งครั้งแรกในรูปแบบของการเดินขบวนศพในส่วนที่สาม minuet จะถูกแทนที่ด้วย scherzo (มัน. "เรื่องตลก") เร็วขึ้นเป็นครั้งแรก [ต้องมีการอ้างอิง] ซิมโฟนีอื่น ๆ ที่อ้างถึงบ่อยกว่า: Symphony V ใน C minor ("of Destiny", 1808), Symphony VI ใน F major ("Pastoral", 1808) - แสดงองค์ประกอบของการเขียนโปรแกรมและแนะนำส่วนที่ห้า แต่การทดลองที่ไม่เกี่ยวข้องใน การสร้างสรรค์แนวเพลงต่อไปนี้ Symphony VII in A major ("Dance Apotheosis", 1811) และ Symphony IX in D minor (1824) - ส่วนท้ายแนะนำนักร้องเดี่ยวและนักร้องประสานเสียง ( "Ode to Joy") ในเนื้อร้องโดย JC ฟรีดริช ฟอน ชิลเลอร์.

โครงสร้างการดัดแปลงซิมโฟนีคลาสสิค

ซิมโฟนีคลาสสิกโดยทั่วไปมีสี่ส่วน:

  • ส่วนแรกในจังหวะเร็ว (เช่น อัลเลโกร) มีโครงสร้างเป็น bitmatic sonata และเผยแพร่ตามโครงการ "exhibition-development-half" บางครั้งก็นำหน้าด้วยการแนะนำสั้นๆ อย่างช้าๆ
  • การเคลื่อนไหวครั้งที่สองช้า (อันดันเต้, adagio เป็นต้น) และให้แนวทางที่เป็นทางการมากขึ้น ส่วนใหญ่จะใช้รูปแบบของความโรแมนติก ปริมาณ, ชุดรูปแบบที่มีรูปแบบและ rondo ดับบลิวเอ Mozart ยังแนะนำรูปแบบโซนาต้าในส่วนนี้ (เช่นใน Symphony KV 551) [ต้องมีการอ้างอิง]
  • การเคลื่อนไหวที่สาม ในจังหวะนาที (ด้วยเหตุนี้ชื่อ - จังหวะปานกลาง) มักจะเป็นส่วนที่สั้นที่สุดของซิมโฟนี เริ่มโดย ลุดวิก ฟาน เบโธเฟน มินูเอตถูกแทนที่ด้วย เรื่องตลกในจังหวะที่เร็วขึ้นและเต้นแรง
  • ตอนจบมีจังหวะที่รวดเร็ว (อัลเลโกร, มีชีวิตชีวา, เร็ว ๆ นี้ เป็นต้น) และส่วนใหญ่มักจะสร้างเป็น rondo แต่ยังอยู่ในรูปของโซนาตาหรือในรูปแบบที่มีรูปแบบต่างๆ

ส่วนแรกและส่วนสุดท้ายมักจะเขียนด้วยคีย์เดียวกันซึ่งมีชื่อป้อนชื่อของซิมโฟนีเองในขณะที่ส่วนกลางมีคีย์ตัวแปร: ถ้าคีย์พื้นฐานคือ ชนกลุ่มน้อย,สโลว์โมชั่นมักจะ ส่วนใหญ่ในขณะที่ถ้าซิมโฟนีแต่งในคีย์ ส่วนใหญ่, ภาคกลางเข้าคุมโทน ที่เด่น หรือ รอง. โดยเฉพาะอย่างยิ่งในแนวจินตนิยมมีข้อยกเว้นมากขึ้นเรื่อยๆ ในโครงการนี้ อย่างไรก็ตาม มันยังคงเป็นเงื่อนไขอ้างอิงในวงกว้างจนถึงกลางศตวรรษที่ 20 ดังที่เห็นได้จากการแสดงซิมโฟนีที่เขียนโดย Gustav Mahler, Sergei Prokofiev หรือ Dimitri Shostakovich

จุดเริ่มต้นของโรแมนติกซิมโฟนี

ซิมโฟนีสมัยศตวรรษที่ 19 มีความสอดคล้องกันอย่างโดดเด่นในแนวเพลง ตั้งแต่ซิมโฟนียุคแรกๆ ของเบโธเฟนไปจนถึงช่วงกลางของซิมโฟนีของมาห์เลอร์ เอกลักษณ์ของแนวเพลงส่วนใหญ่ขึ้นอยู่กับเกณฑ์ภายนอกของโครงสร้างและขนาด: นักแต่งเพลงกำหนดให้ซิมโฟนีเป็นงานออเคสตราสำหรับวงออเคสตราที่มีขนาดปานกลางหรือใหญ่ มักจะประกอบด้วยสาม สี่ หรือห้าส่วน (ปกติมีสี่ส่วน) ในส่วนที่ 1 ปกติจะใช้รูปแบบโซนาต้า นำหน้าด้วยการแนะนำอย่างช้าๆ ในส่วนที่สอง เรามักจะมีโมเมนต์โคลงสั้น ๆ อย่างช้าๆ มักจะอยู่ในรูปแบบของโซนาตาหรือประเภท ABA หรือธีมที่มีการผันแปร ส่วนที่สามมักจะเป็นการเต้นรำ - เรื่องตลกและส่วนที่สี่จบอย่างรวดเร็ว ลำดับของส่วนตรงกลางสองส่วนบางครั้งมีการเปลี่ยนแปลง และแน่นอนว่ามีข้อยกเว้นอื่นๆ สำหรับแบบฟอร์มมาตรฐานนี้ แต่สิ่งเหล่านี้ยังคงเป็นข้อยกเว้น [1] โดยเกณฑ์ภายนอกเหล่านี้ ซิมโฟนีสามารถกำหนดได้ว่าเป็น "วงออเคสตราโซนาตา" แม้ว่าในความเป็นจริงความแตกต่างระหว่างสองประเภทนี้จะซับซ้อน ในช่วงปลายศตวรรษที่ 18 และต้นศตวรรษที่ 19 ข้อคิดเห็นที่สำคัญเกี่ยวกับซิมโฟนีได้เน้นย้ำถึงคุณสมบัติที่โดดเด่นซ้ำแล้วซ้ำเล่า: พื้นผิวโพลีโฟนิกโดยพื้นฐานและความแตกต่าง "สาธารณะ" ซิมโฟนีได้รับการชื่นชมอย่างต่อเนื่องสำหรับความสามารถเฉพาะตัวในการรวมเครื่องดนตรีหลากหลายประเภทเข้าด้วยกันในลักษณะที่ไม่มีเสียงใดเด่น ทั้งหมดนี้มีส่วนสนับสนุนทั้งหมด [1]

เนื่องจากศักดิ์ศรีทางสุนทรียะของซิมโฟนี และเนื่องจากข้อกำหนดทางเทคนิคอย่างหมดจด แนวเพลงประเภทนี้จึงเป็นที่รู้จักในระดับสากลในตอนต้นของศตวรรษที่ 19 ในฐานะมาตรฐานของทักษะการประพันธ์เพลง เป็นความรู้สึกอย่างกว้างขวางที่นักแต่งเพลงไม่สามารถ (หรืออย่างน้อยก็ไม่ควร) เขียนงานประเภทนี้โดยไม่ต้องเชี่ยวชาญประเภทที่เล็กกว่า ซิมโฟนีถูกมองว่าเป็นช่องทางแห่งชื่อเสียงและไม่ใช่รายได้ทางการเงิน เพราะถึงแม้จะมีชื่อเสียงในฐานะประเภทเพลง แต่ก็ไม่ก่อให้เกิดผลกำไรทางเศรษฐกิจสำหรับทั้งนักประพันธ์เพลงและผู้จัดพิมพ์ ซิมโฟนีแต่งขึ้นได้ยาก ต้องใช้ทั้งความเฉลียวฉลาดและการสนับสนุนทางการเงินสำหรับการตีพิมพ์ [1]

ซิมโฟนีร่วมกับ oratorios เป็นละครกลางของเทศกาลดนตรีมากมายที่ปรากฏในเยอรมนีในช่วงครึ่งแรกของศตวรรษที่สิบเก้า การปรากฏตัวของเพลงใหม่ที่มีศูนย์กลางอยู่ที่ซิมโฟนีสุดท้ายของ Haydn และ Mozart และ Ninth Symphony ของ Beethoven ช่วยขยายวงดุริยางค์ซิมโฟนี ในเวลาเดียวกัน บทเพลงตามบัญญัติเดียวกันทำให้การรับงานใหม่ยากขึ้นมาก [1]

ซิมโฟนีของเบโธเฟน

ซิมโฟนีแรกของเบโธเฟนปรากฏตัวบนวงการดนตรีในปี พ.ศ. 2344 เมื่อดนตรีบรรเลงโดยทั่วไป โดยเฉพาะอย่างยิ่งซิมโฟนี เริ่มเพลิดเพลินกับสถานะด้านสุนทรียภาพที่เพิ่มขึ้นอย่างไม่เคยปรากฏมาก่อน ในช่วงสิบปีที่ผ่านมาของศตวรรษที่สิบแปด ซิมโฟนีได้รับการจัดตั้งขึ้นให้เป็นหนึ่งในประเภทบรรเลงอันทรงเกียรติที่สุด แต่เนื่องจากไม่มีวัตถุที่เป็นตัวแทน จึงถูกมองว่าเป็นความบันเทิงมากกว่าวิธีถ่ายทอดความคิดทางสังคมและศีลธรรม . หรือทางปัญญา ใน "วิพากษ์วิจารณ์คณะคำพิพากษา" (ค.ศ. 1790) กันต์ย้ำแนวคิดทั่วไปของยุคนั้นโดยปฏิเสธแนวคิดที่ว่าดนตรีบรรเลงจะสื่อถึง "ความเพลิดเพลินมากกว่าวัฒนธรรม" ด้วยเหตุผลที่ว่าไม่สามารถรวมแนวคิดได้จึงต้องมีการตัดสิน ขึ้นอยู่กับความสุขที่เกิดจากรูปแบบที่เรียบง่ายของมัน Kant กล่าวว่าเนื้อหาใดๆ ที่เกี่ยวข้องกับการคิดในใจของผู้ฟังนั้นเป็นเรื่องบังเอิญล้วนๆ ผลงานเครื่องมือที่พยายาม "แสดง" เหตุการณ์หรือวัตถุเฉพาะถูกดูหมิ่นและถือว่าไร้เดียงสาและด้อยกว่าจากมุมมองด้านสุนทรียศาสตร์

เริ่มต้นด้วย Symphony III, Heroic, Beethoven ได้สำรวจหลากหลายวิธีที่ดนตรีบรรเลงสามารถทำให้เกิดภาพและความคิดที่อยู่เหนือโลกแห่งเสียง สัญกรณ์ของ "ความคิดเชิงกวี" เป็นค่าคงตัวกลางในการรับดนตรีบรรเลงของเบโธเฟน และตัวอย่างที่ดีที่สุดคือพบได้ใน Fifth Symphony

จากมุมมองทางเทคนิคที่มากขึ้น การแสดงซิมโฟนีของเบโธเฟนสำรวจแนวทางการประพันธ์ที่หลากหลาย แท้จริงแล้ว นวัตกรรมของเบโธเฟนจากมุมมองที่เป็นทางการนั้นไม่ธรรมดา ทั้งในระดับของชิ้นส่วนเองและของชิ้นส่วนที่เป็นวัฏจักร การรวมคณะนักร้องประสานเสียงในตอนท้ายของ Ninth Symphony เป็นหนึ่งในวิธีที่ชัดเจนที่สุดที่เราสามารถสังเกตการสำรวจแนวทางใหม่ในลักษณะนี้ ซิมโฟนีที่สามที่มีการปลุกระดมของอุดมคติทางจริยธรรมและการเมือง แต่ยังรวมถึงความตาย (งานศพมีนาคม) ขยายขอบเขตก่อนหน้าของซิมโฟนี "มาตรฐาน" อย่างมากและเปิดประเภทในขอบเขตทางสังคมอย่างชัดเจน The Sixth Symphony, Pastoral เกี่ยวข้องกับความสัมพันธ์ของมนุษย์กับธรรมชาติและสำรวจศักยภาพแบบทวีคูณของดนตรีบรรเลงในรูปแบบที่แตกต่างกันออกไป ซิมโฟนีที่ 7 หลีกเลี่ยงตำแหน่งแบบเป็นโปรแกรม แต่สำรวจเสียงและจังหวะของออเคสตราด้วยความเข้มข้นที่ไม่เคยมีมาก่อน ซิมโฟนีที่เก้าของเบโธเฟนเป็นผู้กำหนดแนวเพลงประเภทนี้ใหม่ หลังจากงานเหล่านี้ ซิมโฟนีไม่ได้ถูกมองว่าเป็นเพียงเรื่องของความบันเทิงอีกต่อไป แต่เป็นพาหนะแห่งแนวคิดทางศีลธรรม ปรัชญา และแม้กระทั่งความคิดทางสังคม และด้วยการแนะนำข้อความและเสียงในสิ่งที่เคยเป็นแนวเพลงบรรเลงแบบดั้งเดิม เบโธเฟนได้ตั้งคำถามถึงความเหนือกว่าด้านสุนทรียะของดนตรีบรรเลงโดยปริยาย ในแง่นี้ Ninth Symphony ของ Beethoven เป็นตัวเร่งให้เกิดสิ่งที่เรียกว่า "วิกฤต" เกี่ยวกับธรรมชาติของดนตรีประเภทนี้ ในช่วงทศวรรษที่ 1830 การอภิปรายอย่างเข้มข้นเกี่ยวกับอนาคตของดนตรีเป็นไปอย่างเต็มกำลัง และซิมโฟนีซึ่งเป็นแนวเพลงที่มีความทะเยอทะยานที่สุดในบรรดาแนวดนตรีทั้งหมดเป็นจุดศูนย์กลางของการอภิปรายครั้งนี้ ชูมานน์ในการทบทวนเพลง Fantastic Symphony ของ Berlioz ที่โด่งดังของเขาชี้ให้เห็นในปี 1835 ว่าหลังจากซิมโฟนีที่เก้าของเบโธเฟน "มิติและวัตถุประสงค์ของซิมโฟนี" หมดลงแล้ว หลังจากสรุปงานดังกล่าวหลายชิ้น ชูมันน์ประกาศให้เมนเดลโซห์นเป็นผู้ชนะ "มงกุฎและคทาเหนือนักประพันธ์เพลงคนอื่นๆ ในยุคนั้น" แต่ตั้งข้อสังเกตว่าเขาได้ข้อสรุปประการหนึ่งว่า ไม่มีอะไรเหลือให้ได้รับ นักประพันธ์เพลงหลายคนยังคงเขียนซิมโฟนีระหว่างปี ค.ศ. 1820 ถึง ค.ศ. 1830 แต่ในขณะนั้นก็มีความรู้สึกเพิ่มขึ้นว่างานเหล่านี้ด้อยกว่าซิมโฟนีสุดท้ายของเบโธเฟนอย่างมาก

แน่นอนว่ามรดกของเบโธเฟนเป็นหนึ่งในปัจจัยที่มีอิทธิพลต่อการแสดงซิมโฟนิกในปี 1820-1830 และจะเป็นการง่ายที่จะระบุการเปลี่ยนแปลงใดๆ ในแนวเพลงกับปัจจัยเดียวนี้ เห็นได้ชัดว่า ซิมโฟนียังคงเป็นความท้าทายสำหรับนักประพันธ์เพลงคนอื่นๆ คำถามที่แท้จริงไม่ใช่ว่าซิมโฟนีอื่น ๆ สามารถแต่งได้หรือไม่ แต่เป็นไปได้หรือไม่ที่แนวเพลงนี้จะพัฒนาเหมือนในช่วงห้าสิบปีที่ผ่านมาในมือของ Haydn, Mozart และ Beethoven มีมุมมองที่สงสัยมากมาย แต่ แทบไม่มีการมองโลกในแง่ดีอย่างแท้จริง

นักแต่งเพลงเพียงคนเดียวที่สามารถรับมือกับมรดกของเบโธเฟนในช่วงทศวรรษ 1830 คือ Berlioz เขาได้รับการยอมรับในช่วงชีวิตของเขา โดยเฉพาะอย่างยิ่งในเยอรมนี ว่าเป็นทายาทที่แท้จริงของซิมโฟนีของเบโธเฟนในการแสดงซิมโฟนีทั้งสามคอนเสิร์ต แบร์ลิออซจัดการกับความท้าทายทั่วไปที่กำหนดโดยเบโธเฟน The Fantastic Symphony of 1830 ซึ่งได้รับความอื้อฉาวอย่างมากเนื่องจากการจัดเรียงเปียโนของ Liszt เป็นภาพจำลองของซิมโฟนีหมายเลขเก้าของเบโธเฟน ความเฉลียวฉลาดและความคิดริเริ่มของการเรียบเรียงของ Berlioz แนวทาง "จักรวาล" สำหรับแนวเพลงและความสามารถของเขาในการมิกซ์เพลงและการบรรยายเป็นแรงบันดาลใจให้กับนักประพันธ์เพลงต่อไปนี้ เพื่อขยายจิตวิญญาณและความคิดริเริ่มของเบโธเฟนในแนวเพลงไพเราะ โดยไม่ต้องเลียนแบบเขาโดยตรง ซิมโฟนีของ Liszt และ Mahler เชื่อมโยงอย่างลึกซึ้งกับมรดกของ Berlioz [1]

รุ่นที่ติดตาม L. van Beethoven ไม่ได้ดำเนินความซับซ้อนอย่างเป็นทางการและความหนาแน่นของการแสดงดนตรีของเขาโดยตรง ในการแสดงซิมโฟนีทั้งเก้าของ Franz Schubert ที่มีโครงสร้างเป็นเส้นตรงมากกว่าและมีลักษณะการร้องเพลงที่น่าสมเพช [ต้องมีการอ้างอิง] มีการเน้นย้ำที่การทำซ้ำของรายละเอียดไพเราะมากกว่าการพัฒนาเฉพาะเรื่อง ที่รู้จักกันดีที่สุดคือ Eighth Symphony ใน B minor - เรียกว่า "Unfinished" (1822) สำหรับโครงสร้างที่ผิดปกติของการเคลื่อนไหวเพียงสองแบบ (Schubert เองละทิ้งการเขียนที่สามหาสมดุลอย่างเป็นทางการที่จำเป็นสำหรับงานที่แสดงออกมาได้ดีในสองส่วนเท่านั้น ถึงกระนั้น คีตกวีหลายคนเสนอ "ความสมบูรณ์" ของซิมโฟนีของตนเอง แต่ไม่มีการกำหนดไว้) - และซิมโฟนีที่เก้าในซีเมเจอร์ (1828)

การแสดงซิมโฟนีของเฟลิกซ์ เมนเดลโซห์น บาร์โธลดีและโรเบิร์ต ชูมันน์ มีลักษณะเฉพาะโดยความสมบูรณ์ของรูปแบบฮาร์โมนิกและเนื้อหาบทกวี ตามแบบฉบับของลัทธิจินตนิยม ซึ่งมักได้รับแรงบันดาลใจจากศาสนาโปรเตสแตนต์ [ต้องมีการอ้างอิง] ซิมโฟนีที่รู้จักกันดีที่สุดของ Mendelsohn, ซิมโฟนี "สก็อต" ที่สาม (1832), ซิมโฟนี "อิตาลี" ที่สี่ (1833) และ "การปฏิรูป" ที่ห้า (1842) มีองค์ประกอบแบบเป็นโปรแกรม แต่ไม่ได้แสดงโดยคำบรรยาย ( ซึ่งไม่ใช่ของผู้แต่ง) ซิมโฟนีของ Robert Schumann รวมถึง "Spring" ของ Symphony I (1841) และ "Rhine" ของ Symphony III (1850) เป็นทางการ โดยส่วนใหญ่ไม่มีความหนาแน่นของโครงสร้าง โดยเน้นที่การสร้างที่ไพเราะมากขึ้น [ต้องมีการอ้างอิง]

นอกประเทศเยอรมนี วิวัฒนาการของซิมโฟนีรวมเอาองค์ประกอบแบบผสม ดังที่แสดงในฝรั่งเศสโดย Hector Berlioz ใน "Fantastic Symphony" (1830) ซึ่งเป็นหนึ่งในผลงานชิ้นแรกของดนตรีแบบเป็นโปรแกรมซึ่งมีโครงสร้าง (ลำดับและจำนวนการเคลื่อนไหว) ที่เปลี่ยนแปลงไปเมื่อเปรียบเทียบ สู่ศีลคลาสสิกเพื่อเป็นตัวแทนของ "หัวเรื่อง" ที่เลือกได้ดีกว่า (ซึ่งอย่างไรก็ตาม ไม่มีสิ่งที่เป็นรูปธรรมอื่นใดนอกจากข้อเสนอแนะของการเล่าเรื่องผ่านบทเพลงพาดพิง) ทั้งการประสานเสียงและการประสานเสียงในการประพันธ์เพลงของ Berlioz นั้นเป็นต้นฉบับที่ลึกซึ้งและจะมีอิทธิพลอย่างมากต่อนักประพันธ์เพลงชาวฝรั่งเศสที่จะติดตามเขา

การเปลี่ยนแปลงของช่วงเวลาโรแมนติกตอนปลาย

Johannes Brahms และ Anton Bruckner มีเครดิตในการรวมภาษาไพเราะของพวกเขาและให้พลังทางสถาปัตยกรรมที่แข็งแกร่ง การแสดงซิมโฟนีทั้งสี่ของ Brahms อ้างว่ามีพันธะสัญญาทางศีลธรรมอย่างถาวรต่อรูปแบบโรแมนติก ด้วยความเข้มงวดพิเศษของภาษาและรูปแบบที่บริสุทธิ์ เมื่อเทียบกับจักรวาลฮาร์โมนิกของ Wagerian ที่ซับซ้อนและหนาแน่น

Anton Bruckner เข้ากับสถาปัตยกรรมที่เข้มงวดของ Brahms แต่ใช้ภาษาฮาร์โมนิกที่รู้สึกถึงอิทธิพลของ Richard Wagner ขนาดของซิมโฟนีของ Bruckner ขยายความยาวและความซับซ้อนของการประสานกัน ธีมหลักในการเคลื่อนไหวครั้งแรกของซิมโฟนีของเขามักจะเป็นสามในจำนวน และโดยทั่วไปแล้วแต่ละการเคลื่อนไหวจะเสริมด้วยความคิดไพเราะรองอื่นๆ กลุ่มโบลเวอร์ทองเหลืองมักจะเข้าแทรกแซงขัดขวางโมเมนตัมไดนามิก adagioul มักจะมีรูปร่าง เขาคำรามและตอนจบก็ถูกสร้างขึ้น เช่นเดียวกับการเคลื่อนไหวครั้งแรก ในรูปแบบของโซนาตา และใช้ธีมที่ปรากฏในการเคลื่อนไหวครั้งก่อนๆ

สถานที่พิเศษถูกครอบครองโดยกุสตาฟ มาห์เลอร์ ซึ่งขยายเครื่องดนตรีที่เป็นทางการและเป็นเครื่องมือของซิมโฟนีของบรัคเนอร์ นักร้องเดี่ยวและคณะนักร้องประสานเสียงปรากฏในหลายซิมโฟนีของเขา: ซิมโฟนีที่ 2 มีตอนจบที่เป็นเพลงสรรเสริญของ "การฟื้นคืนชีพ"ที่สาม ในหกส่วน ศิลปินเดี่ยวเข้ามาแทรกแซง contralto และคณะนักร้องประสานเสียงหญิงในสมัยที่ ๘ ได้ขับร้องธีมทางศาสนา "มาผู้สร้างสปิริตุส", ที่ 9 ลงท้ายด้วย a adagio ซึ่งกินเวลาครึ่งชั่วโมงและที่ 10 - ยังไม่เสร็จ - มีเพียงอันเดียว adagio ที่ซึ่งองค์ประกอบทางวรรณยุกต์ได้รับการยอมรับแล้ว

นักประพันธ์เพลงซิมโฟนีในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 19 ได้แก่ Piotr Ilyich Tchaikovsky และ Alecsandr Borodin (รัสเซีย), Camille Saint-Saëns, Georges Bizet และ César Franck (ฝรั่งเศส), นักแต่งเพลงเช็ก Bedřich Smetana และ Antonin Dvořàk ( Symphony ที่ 9 "From the New" โลก") ฌอง ซิเบลิอุส นักแต่งเพลงชาวฟินแลนด์

ในตอนต้นของศตวรรษที่ 20 มีแนวโน้มในทุกสาขาของศิลปะที่จะละทิ้งรูปแบบดั้งเดิม โดยมองหาความเป็นไปได้ใหม่ๆ ในการแสดงออกทางศิลปะ ในสาขาซิมโฟนี กระแสศิลปะต่างๆ (เช่น Expressionism, Neoclassicism) และขั้นตอนการจัดองค์ประกอบ (เช่น: เทคนิค dodecaphonic) กำลังเผชิญอยู่ ในขณะที่นักประพันธ์เพลงหลายคน เช่น Charles Ives, George Enescu, Carl Nielsen, Ralph Vaughan Williams, Sergei Prokofiev และ Dmitri Shostakovich ยังคงเชื่อมโยงอย่างใกล้ชิดกับรูปแบบดั้งเดิม ในซิมโฟนีของ Albert Roussel หรือ Arthur Honegger มีลวดลายอิมเพรสชันนิสม์อยู่บ้าง รูปแบบแท็บเล็ตเช่น Max Reger, Darius Milhaud, Paul Hindemith, Anton Webern คนอื่น ๆ ใช้รูปแบบการเชิงเส้นโพลีโฟนิกเช่น Arnold Schönberg, Karl Amadeus Hartmann

หลังปี 1950 ความสนใจในการแต่งเพลงซิมโฟนีลดลง อย่างไรก็ตาม คีตกวีหลายคนได้พยายามทำผลงานประเภทนี้:

นักแต่งเพลงซิมโฟนีโรมาเนีย

  • Pascal Bentoiu (8 ซิมโฟนี)
  • Nicolae Brânzeu (3 ซิมโฟนีและหนึ่งคอนเสิร์ตซิมโฟนี)
  • มิไฮ เบรดิเซียนู (1 ซิมโฟนี)
  • Sergiu Celibidache (4 ซิมโฟนี)
  • พอล คอนสแตนติเนคู (Ploiești Symphony)
  • Dimitrie Cuclin (20 ซิมโฟนี)
  • George Enescu (5 ซิมโฟนี, สองเพลงสุดท้ายที่บรรเลงโดย Pascal Bentoiu และแชมเบอร์ซิมโฟนี)
  • Dinu Lipatti (1 คอนเสิร์ตซิมโฟนีสำหรับสองเปียโนและวงออร์เคสตราเครื่องสาย)
  • Ștefan Niculescu (5 ซิมโฟนี)
  • ทิเบเรียส โอลาห์ (1 ซิมโฟนี)

วงออเคสตราที่พบได้ในช่วงท้ายของการเปลี่ยนผ่านไปสู่ความคลาสสิก ประกอบด้วยเครื่องสายและเครื่องดนตรีโค้งคำนับ (ไวโอลิน วิโอลา เชลโล อาจเป็นดับเบิลเบสหรือเทียบเท่า) เครื่องเป่าลมไม้ (ฟลุต โอโบ บาสซูน) เขาและกลองทิมปานี ตั้งแต่การแสดงซิมโฟนีครั้งสุดท้ายโดย J. Haydn วงออเคสตราต้องการทรัมเป็ตและคลาริเน็ต (ซึ่ง W.A. Mozart ไม่ได้ใช้ในซิมโฟนีจำนวนมาก) [ต้องมีการอ้างอิง] ภายใต้อิทธิพลของโอเปร่า ฮอร์นอังกฤษ คอนทราบาสซูน เครื่องเป่าทองเหลืองที่มีขอบเขตที่ทะเยอทะยานมากกว่าฮอร์นฝรั่งเศส (ทรอมโบน ทูบา) และพิณถูกเพิ่มเข้ามาในภายหลัง เสียงมนุษย์เหล่านี้ถูกเพิ่มเข้ามา เนื่องจากมันถูกบันทึกครั้งแรกในซิมโฟนีที่เก้าโดยแอล. ฟาน เบโธเฟน สำหรับการเปรียบเทียบ ให้ปฏิบัติตามเครื่องมือวัดของวงซิมโฟนีและวงรอบซิมโฟนี:

  • ซิมโฟนีสุดท้ายของ J. Haydn (1790-1795): เครื่องสาย, 1 ฟลุต, 2 โอโบ, 2 บาสซูน, 2 เขา, 2 ทรัมเป็ตและทิมปานี
  • ซิมโฟนีที่ 7 โดย L. van Beethoven (1812): เครื่องสาย, 2 ฟลุต, 2 โอโบ, 2 คลาริเน็ต, 2 บาสซูน, 2 เขา, 2 ทรัมเป็ตและทิมปานี
  • J. Brahms's First Symphony (1876): เครื่องสาย, 2 ฟลุต, 2 โอโบ, 2 คลาริเน็ต, 2 บาสซูน, 1 คอนทราบาสซูน, 4 เขา, 2 แตร, 2 ทรัมเป็ต, 3 ทรอมโบนและทิมปานี
  • ซิมโฟนีที่ 6 โดย G. Mahler (1906): เครื่องสาย, 4 ฟลุต, 4 โอโบ, 3 คลาริเน็ต, 1 คลาริเน็ตใน E ♭ < displaystyle flat>, คลาริเน็ตเบส 1 ตัว, บาสซูน 3 ตัว, 1 คอนทราบาสซูน, 8 แตร , 4 ทรัมเป็ต, 3 ทรอมโบน, 1 ทูบา, ทิมปานี, พิณ, ท้องฟ้า, ระนาด, เครื่องเคาะอื่นๆ

นอกเหนือจากความหลากหลายของเสียงต่ำ จำนวนขององค์ประกอบของวงดุริยางค์ซิมโฟนียังเพิ่มขึ้นอย่างมากในยุคโรแมนติก จากสองสามโหลในไฮด์น์และซิมโฟนีของโมสาร์ท ไปจนถึงองค์ประกอบมากกว่าร้อยรายการในซิมโฟนีสุดท้ายของเบโธเฟน ไปจนถึงวงออเคสตราขนาดใหญ่ สำหรับการสร้างสรรค์ของยุคโรแมนติกตอนปลาย


ซิมโฟนีแห่งสีสัน - ตำรับอาหาร

วิธีใดที่เหมาะสมกว่าในการเฉลิมฉลองสีสันของฤดูใบไม้ร่วง หากไม่ผ่านดนตรี ParkLake ร่วมกับ Radio Romania Musical แต่ยังรวมถึง Orchestras and Choirs of Radio Romania ขอเชิญชาวบูคาเรสต์ในวันเสาร์ที่ 8 กันยายน เริ่มเวลา 19:00 น. เข้าร่วมคอนเสิร์ตพิเศษ จะได้รับการสนับสนุนจาก Radio Chamber Orchestra ร่วมกับผู้ควบคุมวง Constantin Adrian Grigore และศิลปินเดี่ยว Irina Sârbu ศิลปินจะปรากฏบนเวทีที่ติดตั้งเป็นพิเศษใน ParkLake Garden และจะสร้างความสุขให้กับผู้ชมด้วยผลงานที่มีชื่อเสียงจากดนตรีคลาสสิกและแจ๊ส

คอนเสิร์ตที่นำเสนอโดยผู้อำนวยการวิทยุโรมาเนีย Muzical, Andreea Chiselev และ Liviu Pețu ในตอนเช้าจะรวมเอารูปแบบดนตรีสองรูปแบบ: ดนตรีคลาสสิกและการประมวลผลเพลงโรมาเนียที่มีชื่อเสียงบางเพลงในสไตล์แจ๊สจะถูกรวมเข้าด้วยกันในโครงการที่ทุกคนสามารถเข้าถึงได้ ตั้งแต่ Mozart ถึง Johann Strauss-son และ Dmitri Shostakovich ผลงานดนตรีที่เราเคยฮัมเพลงมาครั้งหนึ่งจะแสดงด้วยความหลงใหลจากศิลปินบนเวที

,,สิ่งสำคัญคือต้องให้เวลากับวัฒนธรรม เนื่องจากวัฒนธรรมเป็นแรงบันดาลใจให้เราและนำสีสันมาสู่ชีวิตประจำวันของเรา เราต้องการเปิดโอกาสให้ผู้คนได้ค้นพบความมหัศจรรย์ของดนตรีคลาสสิกมากที่สุดเท่าที่จะเป็นไปได้ตัวแทนศูนย์การค้าปาร์คเลค

งานนี้เป็นงานประเภทแรกและมีความสำคัญที่เกี่ยวข้องกับวงดุริยางค์ซิมโฟนีออร์เคสตรา ซึ่งจัดขึ้นในห้างสรรพสินค้าแห่งหนึ่งในบูคาเรสต์ สำหรับสิ่งนี้ ศูนย์การค้า ParkLake จะจัดคอนเสิร์ตฮอลล์แบบเปิดโล่งพร้อมเก้าอี้หลายร้อยตัว และยังมีโปรเซ็กโก้สำหรับผู้ชมด้วย ค่าเข้าชมคอนเสิร์ตฟรี

ค่ำคืนที่สมบูรณ์แบบ ที่ชาวบูคาเรสต์ใช้เวลาไปกับคอร์ดดนตรี ท่ามกลางการตกแต่งสีเขียวของสวน ParkLake


สัมผัสประสบการณ์ซิมโฟนีแห่งสีสันในฤดูใบไม้ร่วงที่ ParkLake Garden - Radio Chamber Orchestra Concert

เมื่อวันที่ 8 กันยายน Radio Romania Muzical, ParkLake จากบูคาเรสต์, Radio Orchestras และ Choirs จัดงานคอนเสิร์ต ซึ่งเป็นการแสดงดนตรีไพเราะครั้งแรกในห้างสรรพสินค้าแห่งหนึ่งในบูคาเรสต์

การแสดงเหตุการณ์

เมื่อวันที่ 8 กันยายน Radio Romania Muzical, ParkLake จากบูคาเรสต์, Radio Orchestras and Choirs ได้จัดงานคอนเสิร์ต ซึ่งเป็นการแสดงดนตรีไพเราะครั้งแรกของขนาดนี้ในห้างสรรพสินค้าในบูคาเรสต์: Radio Chamber Orchestra, ผู้ควบคุมวง Constantin Adrian Grigore, ศิลปินเดี่ยว Irina Serbian

ParkLake, Radio Romania Musical, Radio Romania Orchestras and Choirs ขอเชิญชวนคุณเข้าร่วมคอนเสิร์ตพิเศษ: Radio Chamber Orchestra, ผู้ควบคุมวง Constantin Adrian Grigore และ Irina Sârbu - ศิลปินเดี่ยว จะปรากฏบนเวทีที่ติดตั้งเป็นพิเศษใน ParkLake Garden ในวันเสาร์ที่ 8 กันยายน ตั้งแต่ 19.00 (str. Liviu Rebreanu no. 4, sector 3, Bucharest).

ดนตรีคลาสสิกและการประมวลผลสไตล์แจ๊สของเพลงโรมาเนียที่มีชื่อเสียงบางเพลงถูกรวมเข้าด้วยกันในโปรแกรมที่ทุกคนสามารถเข้าถึงได้ ตั้งแต่ Mozart ไปจนถึง Johann Strauss-son และ Dmitri Shostakovich ผลงานดนตรีที่เราเคยฮัมเพลงหรือที่เราเลือกมาทุกวัน เช่นเสียงเรียกเข้าของโทรศัพท์มือถือ ผู้ผลิตรายการวิทยุโรมาเนียตอนเช้า Andreea Chiselev และ Liviu Pețu จะเป็นพรีเซ็นเตอร์ของคอนเสิร์ต

เป็นงานแรกของวงซิมโฟนีออร์เคสตราขนาดใหญ่ในห้างสรรพสินค้าแห่งหนึ่งในบูคาเรสต์ ParkLake กำลังเตรียมห้องแสดงคอนเสิร์ตกลางแจ้งที่แท้จริง โดยมีเก้าอี้หลายร้อยตัวและโปรเซกโกสำหรับผู้ชมงาน การแสดงเพื่อแสดงว่าดนตรีคลาสสิกมีไว้สำหรับทุกคนและ มันสามารถทำให้เราดีขึ้นได้ รายการสาธารณะฟรี

,, การให้เวลากับวัฒนธรรมเป็นสิ่งสำคัญ เพราะวัฒนธรรมเป็นแรงบันดาลใจให้เราและนำสีสันมาสู่ชีวิตประจำวัน เราต้องการเสนอโอกาสให้ผู้คนได้ค้นพบความมหัศจรรย์ของดนตรีคลาสสิกให้มากที่สุดเท่าที่จะเป็นไปได้ "ตัวแทนของ ParkLake Shopping Center กล่าว


คอนเสิร์ตโดย Radio Chamber Orchestra ในห้าง! ซิมโฟนีแห่งสีสันแห่งฤดูใบไม้ร่วงจงเจริญ!

วิธีใดที่เหมาะสมกว่าในการเฉลิมฉลองสีสันของฤดูใบไม้ร่วง หากไม่ผ่านดนตรี ParkLake ร่วมกับ Radio Romania Muzical แต่ยังรวมถึง Orchestras and Choirs of Radio Romania ขอเชิญชาวบูคาเรสต์ในวันเสาร์ที่ 8 กันยายน เริ่มเวลา 19:00 น. เพื่อเข้าร่วมคอนเสิร์ตพิเศษ จะได้รับการสนับสนุนจาก Radio Chamber Orchestra ร่วมกับผู้ควบคุมวง Constantin Adrian Grigore และ Irina Sarbu ศิลปินเดี่ยว ศิลปินจะปรากฏบนเวทีที่ติดตั้งเป็นพิเศษใน ParkLake Garden และจะสร้างความสุขให้กับผู้ชมด้วยผลงานที่มีชื่อเสียงจากดนตรีคลาสสิกและแจ๊ส

คอนเสิร์ตซึ่งนำเสนอโดยผู้กำกับ Radio Romania Muzical, Andreea Chiselev และ Liviu Petu ในตอนเช้าจะรวมเอารูปแบบดนตรีสองรูปแบบ: ดนตรีคลาสสิกและการประมวลผลเพลงโรมาเนียที่มีชื่อเสียงบางเพลงเข้าด้วยกันในโปรแกรมที่ทุกคนสามารถเข้าถึงได้ ตั้งแต่ Mozart ถึง Johann Strauss-son และ Dmitri sostakovici ผลงานดนตรีที่เราเคยฮัมเพลงจะแสดงด้วยความหลงใหลจากศิลปินบนเวที

,, การให้เวลากับวัฒนธรรมเป็นสิ่งสำคัญ เพราะวัฒนธรรมเป็นแรงบันดาลใจและนำสีสันมาให้เราในชีวิตประจำวัน เราต้องการเสนอโอกาสให้ผู้คนจำนวนมากที่สุดเท่าที่จะมากได้ค้นพบความมหัศจรรย์ของดนตรีคลาสสิก” ตัวแทนของ ParkLake Shopping Center กล่าว

งานนี้เป็นงานประเภทแรกและมีความสำคัญที่เกี่ยวข้องกับวงดุริยางค์ซิมโฟนีออร์เคสตรา ซึ่งจัดขึ้นในห้างสรรพสินค้าแห่งหนึ่งในบูคาเรสต์ สำหรับสิ่งนี้ ศูนย์การค้า ParkLake จะจัดคอนเสิร์ตฮอลล์กลางแจ้งจริง พร้อมเก้าอี้หลายร้อยตัว และยังมีโปรเซ็กโก้สำหรับผู้ชมด้วย ค่าเข้าชมคอนเสิร์ตฟรี

ค่ำคืนที่สมบูรณ์แบบ ที่ชาวบูคาเรสต์ใช้เวลาไปกับคอร์ดเพลง ท่ามกลางการตกแต่งสีเขียวของสวน ParkLake

รายละเอียดเพิ่มเติมเกี่ยวกับกิจกรรม ParkLake แต่ยังสามารถดูโปรแกรมได้ที่ www.parklake.ro และบนหน้า Facebook ของ ParkLake Shopping Center

วงออเคสตรากล้องวิทยุ

Studio Orchestra ซึ่งเป็นผู้บุกเบิกของ Radio Chamber Orchestra ในปัจจุบัน ก่อตั้งขึ้นในปี 1947

ในกว่า 30 ฤดูกาล วงดนตรีชุดนี้ได้รวมกิจกรรมการบันทึกรายการพิเศษสำหรับการออกอากาศทางวิทยุในสตูดิโอเข้ากับการแสดงบนเวทีคอนเสิร์ต ผ่านความหลากหลายของละครที่เข้าหากัน (บาโรก คลาสสิก ดนตรีในศตวรรษที่ 20 เป็นต้น) และผ่านการเลือกใช้บรรเลงเดี่ยวหรือนักร้องนำ Studio Orchestra of the Romanian Broadcasting ได้พัฒนาในเชิงคุณภาพ โดยนำเสนอชื่อมากมายสำหรับการแสดงดนตรี แน่นอน เครดิตยังเป็นของผู้เชี่ยวชาญที่โต๊ะทำงาน: Constantin Silvestri, Mendi Rodan, Constantin Bobescu, Carol Litvin, Ludovic Bács

ตั้งแต่ปี 1990 Studio Orchestra ได้เปลี่ยนเป็น Radio Chamber Orchestra

ด้วยการแสดงคอนเสิร์ตและการบันทึกเสียงในฤดูกาลที่ถาวร วงดนตรีชุดนี้จึงมีความกระฉับกระเฉงและน่าสนใจในชีวิตดนตรีของโรมาเนีย คอนเสิร์ตที่จัดขึ้นที่ Radio Hall ท่องเที่ยวในประเทศหรือท่องเที่ยวต่างประเทศเป็นงานดนตรีจริงๆ ความสำเร็จของ Bach-250, Haydn, Schubertiada, Mozart - 250, Händel & Haydn, เทศกาลกีตาร์นานาชาติห้ารุ่น, เทศกาล Bandoneon และหีบเพลงนานาชาติ, เทศกาลออร์แกนยามเย็นที่ Radio Hall คงเป็นไปไม่ได้ โดยไม่ได้รับการสนับสนุนพิเศษจาก Radio Chamber Orchestra

ผลงานที่บันทึกไว้จำนวนมาก ซึ่งหลายครั้งในการออดิชั่นครั้งแรกจริง ๆ ซึ่งบางงานได้รับการแก้ไขในซีดี ทำให้ภาพลักษณ์ของกิจกรรมของวงดนตรีนี้สมบูรณ์ ชื่อของ Radio Chamber Orchestra เกี่ยวข้องกับการสร้าง Integral Concerts for Piano และ W.A. Orchestra Mozart ในเวอร์ชันแปลของนักเปียโน Dana Borsan ซึ่งเป็นงานแสดงจานเสียงเป็นครั้งแรกในประวัติศาสตร์ดนตรีโรมาเนีย

ละครเพลงเฉพาะของวงมุ่งเน้นไปที่การส่งเสริมผลงานที่ไม่ค่อยมีใครรู้จัก ในการออดิชั่นครั้งแรกของโรมาเนีย ข้อเสนอที่หลากหลายและน่าสนใจเป็นหนึ่งในจุดดึงดูดสำหรับสาธารณชนที่รักดนตรี นี่คือการเพิ่มการแสดงดนตรีโรมาเนียที่หลากหลาย

วาทยกรชาวโรมาเนียคนสำคัญเกือบทั้งหมดมีส่วนสร้างชื่อเสียงให้กับวงดนตรีตลอดประวัติศาสตร์กว่าครึ่งศตวรรษ เช่นเดียวกับปรมาจารย์ที่เป็นส่วนหนึ่งของชีวิตทางดนตรีชั้นนำระดับโลก: Horia Andreescu, Enrique Garcia Asensio, Marco Balderi, Gabriel Bebeselea, Jean Pierre Berlingen, Francois Xavier Bilger, Robert Bokor, Amaury du Closel, Iosif Conta, Peter Csaba, Lawrence Foster, Christopher Wareen Green, Leonid Grin, Tetsuji Honna, I.Ionescu-Galati, Cristian Mandeal, Camil Marinescu, Paul เมเยอร์, ​​มิเลน นาเชฟ, โธมัส เรอสเนอร์, โรแบร์โต้ ซัลวาไลโอ, เดจา ซาวิช, เกอร์ด ชาลเลอร์, ติเบริว โซอาเร, ราล์ฟ โซคัชสกี้, นีล ธอมสัน, จาน ลุยจิ ซัมเปียรี, จิน วังซา

มีการสังเกตเห็นการปรากฏตัวของศิลปินเดี่ยวชาวโรมาเนียที่มีชื่อเสียงจากประเทศและต่างประเทศ: Cristina Anghelescu, Dana Borsan, Dana Ciocarlie, Viorica Cortez, Ileana Cotrubas, George Crasnaru, Ruxandra Donose, Teodora Gheorghiu, Valentin Gheorghiu, Daniel Goiti, Dan Grigore, Nicolae Herlea , Dan Iordachescu, Silvia Marcovici, Mihaela Martin, Horia Mihail, Eugenia Moldoveanu, Mariana Nicolesco, Adina Nitescu, Aurelian Octav Popa, Liviu Prunaru, Ion Ivan Roncea, Eugen Sarbu, Georgeta Stoleriu, Razvan Suma, Eduard Tumagian, Alexandha Lory Wallfsch, Bogdan Zvoristeanu, ซา

ควรกล่าวถึงชื่อของแขกต่างชาติคนสำคัญ: Emanuel Abbühl, Dmitri Alexeev, Yossi Arnheim, Claudi Arimany, Pierre-Yves Artaud, Brigitte Balley, Igor Bezrodnii, Gabriel Bianco, Daniel Blumenthal, Vladimir Bunin, Grace Bumbry, Marc Coppey คอสตาส คอตซิโอลิส คริสโตเฟอร์ ซีซายา-เซเกอร์ Aniello Desiderio Richard Galliano Lorenzo Gatto Elina Garanča David Grimal Rivka Golani Natalia Gutman Monique Haas Barbara Hendricks Patricia Kopatchinskaja Elisabeth Leonskaja Misha Maiesky Carlo Marchion , อเล็กซิส มูซูราคิส , วาสโซ ปาปันโดนีอู, มิเชล พอร์ทัล, ซูซาน่า ปรีเอโต้, ฮิโรโกะ ซากาคามิ, ปีเตอร์ โซฟ, พาเวล สไตเดิล, เกอร์ฮาร์ด ไรเชนบัค, คาเทีย ริชชาเรลลี, ไมเคิล โรล, ลอร่า วูโคบราโตวิช, อันเดรียส วอน วาเกนไฮม์, โซเนีย วีเดอร์ อาเธอร์ตัน

การส่งเสริมผู้ควบคุมวงและนักแสดงชาวโรมาเนียเป็นส่วนหนึ่งของกลยุทธ์การจัดการของวงออเคสตรานี้ ซึ่งในทางกลับกัน ส่วนใหญ่เป็นนักดนตรีรุ่นเยาว์ที่มีคุณค่า

ทัวร์ต่างประเทศในรัสเซีย, ยูเครน, ออสเตรีย, สเปน, ฝรั่งเศส, อิตาลี, ญี่ปุ่น, กรีซ, ไซปรัส, เยอรมนี, เกาหลีใต้, การบันทึก, ภาพยนตร์โทรทัศน์, การเข้าร่วมในรุ่นของ George Enescu International Festival, International Music Week Festival เราได้รับการชื่นชม โดยประชาชนและสื่อมวลชนเฉพาะทาง

Irina Sarbu

ขึ้นอยู่กับเพลงที่เธอเข้าใกล้ Irina Sarbu จำลองเสียงของเธอด้วยเสียงต่ำพิเศษ จดจำได้ง่าย และนำไปสู่จินตนาการอันด้นสดของเธอในหลาย ๆ ทิศทาง ซึ่งแต่ละอย่างน่าตื่นเต้นในแบบของตัวเอง แจ๊สครองและทิ้งร่องรอยไว้ในทุกเพลงตั้งแต่ "Route 66" ถึง "C'est si bon" จาก "One note samba" ถึง "Ciocirlia" และ & quotHora staccato & quot จากท่วงทำนองที่ต่อเนื่องยาวนานของการสร้าง interwar เพลงโรมาเนียอย่าง "ซาราซ่า" กับเสียงเพอร์คัชชันที่ระเบิดออกมาอย่างคาดไม่ถึง สดใส และมีสีสัน ราวกับดอกไม้ไฟในอัลบั้มล่าสุดของศิลปินเดี่ยว - "Seven Stairs" - กับ ETHNOTIC Project จากสิ่งที่เธอทำกับพรสวรรค์ที่ทำงานได้ดีของเธอในการศึกษาเฉพาะทางเป็นเวลาหลายปี Irina Sarbu กำหนดให้ตัวเองเข้มแข็งต่อหน้าสาธารณชนและยังคงตรึงอยู่ในความทรงจำอย่างถาวร เนื่องจากความคิดริเริ่มและวิธีการประมวลผลเพลงที่กลายเป็นเพลงคลาสสิกหรือเสียงร้องในเครื่องดนตรีที่เป็นต้นฉบับและมีเอกลักษณ์เฉพาะจากนิทานพื้นบ้านโรมาเนีย คุณค่าของนักร้องจึงเป็นที่ยอมรับอย่างเป็นเอกฉันท์ เขาได้แสดงทั้งในประเทศและต่างประเทศ - นิวยอร์ก, วอชิงตัน, ปารีส, เอเธนส์, มาดริด, เวียนนา, เวนิส, บรัสเซลส์, ปราก, ลิสบอน, สตอกโฮล์ม, เยรูซาเล็ม, มิลาน - ในการแสดงเดี่ยวของสโมสรหรือในเทศกาลดนตรีแจ๊สระดับชาติและระดับนานาชาติ อยากรู้อยากเห็นในการค้นหาสิ่งใหม่ ๆ อย่างถาวร (แม้ว่าจะรักแจ๊สคลาสสิกอย่างไม่อาจแก้ไขได้) Irina Sarbu เสนอโปรแกรมที่น่าสนใจและเป็นต้นฉบับสำหรับสาธารณะเสมอ

คอนสแตนติน เอเดรียน กริกอร์

ในระหว่างที่เขาศึกษาอยู่ในประเทศ ที่โปแลนด์ที่สถาบันดนตรี Karol Lipinski คอนสแตนติน กริกอร์ วาทยกร Constantin Grigore ได้รับประโยชน์จากการแนะนำของวาทยกรที่มีชื่อเสียง ได้แก่ Horia Andreescu, Petru Andriesei, Ilarion Ionescu-Galati และวาทยกรชาวโปแลนด์ Marek Pijarowski

Constantin Grigore ฝึกงานที่ Rundfunk Sinfonieorchester Berlin (2011) ภายใต้การแนะนำของ Marek Janowski และหลังจากนั้น (2012) ที่ Bayerische Rundfunk และ Munchner Philharmoniker ซึ่งเขาได้เข้าร่วมในการซ้อมและคอนเสิร์ตโดย Mariss Jansons, Bernard Haitink, Alain Gilbert, Paavo Jarvi, Lawrence Foster หรือ Vasily Petrenko พร้อมกันยังเข้าร่วมในหลักสูตรปรากฏการณ์วิทยาที่สอนโดย Konrad von Abel

Constantin Adrian Grigore แสดงคอนเสิร์ตที่โต๊ะของวงออเคสตราสำคัญทั้งในประเทศ (Symphony Orchestra of the "George Enescu" Philharmonic, Radio Chamber Orchestra, National Radio Orchestra, "Moldova" State Philharmonic จาก Iasi, "Ion Dumitrescu" Philharmonic - Rm Valcea, “Paul Constantinescu” Philharmonic จาก Ploiesti, State Philharmonic จาก Pitesti, State Philharmonic จาก Sibiu, State Philharmonic จาก Oradea, “Nae Leonard” Theater Orchestra จาก Galati, “Oleg Danovski” Opera and Ballet Theatre Orchestra, Orchestra National Operetta และโรงละครดนตรี ในบูคาเรสต์) เช่นเดียวกับในต่างประเทศ (โปแลนด์ - "R-20" Chamber Orchestra จาก Wroclaw, Kielce Philharmonic, National Chamber Orchestra ของสาธารณรัฐมอลโดวาหรือ "Serghei Lunchevici" Philharmonic จากคีชีเนา)

เขายังเป็นหนึ่งในสมาชิกผู้ก่อตั้งและผู้ควบคุมวงออร์เคสตราแชมเบอร์ออร์เคสตรา "Camerata Regala" ซึ่งเขาได้จัดคอนเสิร์ตหลายครั้งในโรมาเนีย แต่ยังอยู่ในแอลเบเนีย มอลโดวา หรือโปแลนด์ และในเดือนมกราคม 2559 เขาได้รับเชิญจากสถาบันวัฒนธรรมโรมาเนีย เพื่อจัดคอนเสิร์ตที่โต๊ะของ Royal Chamber ใน MozartSaal ของ Konzerthaus Vienna

ในปี 2560 เขาได้รับเชิญไปที่โต๊ะของ Royal Philharmonic ในเมือง Liege ซึ่งเขาได้จัดคอนเสิร์ต 7 ครั้งใน Liege (Philharmonic Hall), บรัสเซลส์ (Bozar), Ath, Ottignes และ Namur

Constantin Adrian Grigore ได้ร่วมงานกับศิลปินเดี่ยวที่มีชื่อเสียงในวงการเพลง เช่น Florin Croitoru, Rebekka Hartmann, Nicolae Licaret, Daniel Podlovschi, Gabriel Croitoru, Florin Ionescu Galati, Ilian Garnet, Aura Twarowska, Teodor Ilincai, Cristian Mogosan, Irina Giordachescu, Sergi Carreras , Sorina Munteanu, Iulia Merca, Katarzyna Dondalska, Stefan Ignat, Ana Maria Donose, Cristina Anghelescu, Ioana Cristina Goicea, Raluca Ouatu, Tina Munteanu, Horea Haplea, Ingmar Anthony Lazar, Cristian Sandrin, Ioana Ilie, Laura Nicorescuscu, Natalia Konik, Wictor Kociuban, Piotr Banasic, Alessandro Safina หรือคณะนักร้องประสานเสียงแห่งชาติ Madrigal

Constantin Grigore ได้รับรางวัลและความแตกต่างมากมาย - ในฐานะหัวหน้าฝ่ายส่งเสริม UNMB, รางวัลของมูลนิธิ "Bucovina Brothers" (2006), รางวัลที่หนึ่งในการประกวดการตีความ "Garabet Avachian", รอบรองชนะเลิศในการประกวด Direction Contest "Jeunesses Musicales Bucharest " - ฉบับปี 2010 รวมถึงประกาศนียบัตรต่างๆ ที่ได้รับจากรัฐบาลโรมาเนียสำหรับความร่วมมือและประสานงานโครงการด้านวัฒนธรรมมากมาย เขาได้ร่วมมือกับสถาบันอันทรงเกียรติเช่นกระทรวงวัฒนธรรมและลัทธิโรมาเนีย Artexim หรือ ICR Warsaw

ปัจจุบัน คอนสแตนติน กริกอร์เป็นวาทยกรหลักของ Royal Chamber Orchestra


เวลาและพื้นที่ในซิมโฟนีแห่งสีสัน @ Iași

เรามีเกียรติอย่างยิ่งที่จะเชิญคุณเปิดนิทรรศการจิตรกรรม "เวลาและพื้นที่ในซิมโฟนีแห่งสีสัน" ซึ่งลงนามโดย Mihai Coțovanu ซึ่งจะจัดขึ้นในวันจันทร์ที่ 22 กุมภาพันธ์ 2564 1700 ที่ Theodor Pallady Gallery, Lăpușneanu Street ,Iași.

นำเสนอโดยนักวิจารณ์ศิลปะ Petru Bejan

เวลาเข้าชม 10:00 & # 8211 18:00, 22 กุมภาพันธ์ & # 8211 10 มีนาคม 2021

ในศิลปะการวาดภาพ ศิลปินพลาสติกต้องผ่านหลายขั้นตอนเพื่อที่จะเป็นตัวนำที่สมบูรณ์แบบ อัจฉริยะแห่งสีสันบนผืนผ้าใบ การได้มาซึ่งความมีคุณธรรมในศิลปะการวาดภาพและการเปลี่ยนผืนผ้าใบให้กลายเป็นซิมโฟนีแห่งสีสันคือการเดินทางที่กว้างขวางและซับซ้อน เป็นวิทยาศาสตร์ที่ล้ำลึก การฝึกอบรมการวิเคราะห์และการสังเกตอย่างต่อเนื่อง เพื่อที่จะรับรู้และแยกแยะเฉดสีที่ละเอียด ดวงตาจะต้องถูกสร้างขึ้นในลักษณะที่จะกลายเป็นเครื่องมือที่สมบูรณ์แบบในการจัดการสีบนจานสีและผืนผ้าใบ เพื่อให้ได้ความสามารถในการถ่ายทอดอารมณ์ผ่านสีในลวดลายที่ทาสี ศิลปินต้องเข้าถึงประสบการณ์ภายในเพื่อที่เขาจะได้สัมผัสถึงสีที่ไหลออกมาจากจิตวิญญาณผ่านเส้นเลือด พู่กันแปลงเป็นไม้กายสิทธิ์ที่ชี้นำสีบนจานสี ในความกลมกลืนของเสียงรงค์ ไม่เพียงแต่ในอวกาศและระหว่างการกลายเป็นเท่านั้น แต่ยังรวมถึงพื้นที่ของผืนผ้าใบด้วย ในรูปแบบและการแสดงออกของเหตุผลเป็นคะแนนไพเราะ ของสีในโลกที่มองเห็น ที่มองไม่เห็นในการเกิดขึ้นที่แสดงออกของตัวตนภายใน ความเป็นจริงโดยรอบในความหลากหลายกลายเป็นแหล่งที่มาของแรงบันดาลใจในศิลปะการวาดภาพ ซึ่งศิลปินเรียนรู้ที่จะมองเพื่อทำความเข้าใจความลึกลับที่อยู่เบื้องหลังม่านแห่งความเป็นจริง ความลึกลับที่ปลุกเร้าเราและทำให้เราเผชิญกับคำถามสำคัญๆ ฉันชี้ให้เห็นว่าการจัดองค์ประกอบของพื้นผิวพลาสติกและความจำเป็นในการสร้างภาพวาดที่มีจุดสนใจเป็นภาพสะท้อนของการค้นพบตนเอง (ในรูปแบบของการบอกเล่าทางสังคม บุคคล ส่วนตัวจำเป็นต้องเป็นศูนย์กลางของความสนใจ) . ผ่านภาพที่สร้างขึ้นผู้ดูนำไปสู่ความพึงพอใจทางวัฒนธรรมและจิตวิญญาณผ่านเสียงที่กลมกลืนกันซึ่งปรับด้วยโทนสีที่ละเอียด เฉดสี สีสันที่นำพลังงานสีที่บริสุทธิ์ที่สุดเช่นเครื่องมือที่แสดงการไหลของโน้ตที่กลมกลืนกันอย่างชัดเจน ที่จะแทรกซึมเข้าไปในจิตวิญญาณ การสร้างเองเป็นซิมโฟนีของ Grand Conductor ซึ่งสะท้อนถึงกฎของการสร้างสรรค์ในช่วงเวลาดนตรี จากมุมมองนี้ แรงบันดาลใจที่สร้างสรรค์ของนักดนตรีมาจากดนตรีของทรงกลม การฟังซิมโฟนีที่มอบให้โดยนักประพันธ์เพลงผู้ยิ่งใหญ่ เราถูกแทรกแซงด้วยดนตรี แยกตัวเราออกจากแง่มุมของชีวิตที่เล่าลือ


นิทรรศการ | Rodica Vinca: "ซิมโฟนีแห่งสีสัน"

"ซิมโฟนีแห่งสีสัน” นิทรรศการเดี่ยวครั้งที่สามของ Rodica Vinca จะจัดโดย Sylvain-Garneau Library ใน Laval (187 Boulevard Sainte-Rose, H7L 1L5) นิทรรศการใหม่นี้มีผลงาน 35 ชิ้นบนผ้าใบ (อะคริลิกและสื่อผสม) และ 17 ชิ้นบนกระจก (กระจกสีและคริสตัล) ประกอบเป็นนิทรรศการใหม่นี้ ซึ่งมีการกล่าวถึงเทคนิคและสีที่ศิลปินใช้อีกครั้ง

"ซิมโฟนีแห่งสีสัน" ดำเนินการและดำเนินการจัดนิทรรศการ Rodica Vinca สองงานก่อนหน้านี้ให้เสร็จสิ้นตั้งแต่ปี 2559 และ 2560 "หน่วยความจำสี” และตามลำดับ "บทเพลงแห่งสายน้ำ” (ทั้งสองเกิดขึ้นที่ร้านอาหารบูติก Château Napoléon ใน Rosemère) "หน่วยความจำสี" แสดงให้เห็นว่าศิลปินใช้สีอย่างเต็มที่และกล้าหาญ ภาพวาดของเขาคือพื้นผิว สี คอนทราสต์ แต่ยังมีความกลมกลืน องค์ประกอบเหล่านี้สะท้อนให้เห็นในผลงานทั้งหมดของเขา ซึ่งสลับกันระหว่างนามธรรมที่บริสุทธิ์และห่วงโซ่ขององค์ประกอบทางอารมณ์ที่มีการชี้นำ เข้าสู่ "บทเพลงแห่งสายน้ำ"ซึ่งตามชื่อเรื่องแล้ว น้ำเป็นหัวใจสำคัญ ศิลปินทดลองเป็นครั้งแรกด้วยภาพวาดบนแก้ว (แจกัน) ซึ่งเธอได้สำรวจอย่างเต็มที่ในนิทรรศการปีนี้

นี่คือสิ่งที่ศิลปินบอกเราเกี่ยวกับวิวัฒนาการของสไตล์ของเธอ ความสัมพันธ์กับภาพวาดและที่หลบภัยในสี: “ฉันต้องการวิวัฒนาการอย่างต่อเนื่อง แต่ในขณะเดียวกัน ฉันไม่อยากสูญเสียการเชื่อมต่อกับอดีตกับ ปีที่เริ่มต้น เมื่อฉันต้องการและจัดการเพื่อฟื้นฟูความไร้เดียงสา ความชัดเจน พลังและความจริงใจด้วยสีที่หมุนวน ผลลัพธ์ที่ได้นั้นซับซ้อน แต่ในขณะเดียวกันก็เรียบง่าย มันคือความสัมพันธ์ของฉันกับรูปร่าง เส้น และสี การวาดภาพเป็นกระบวนการที่เข้าใจง่ายและซาบซึ้ง โดยมีความหมายที่แน่นอนของการเรนเดอร์แต่ละครั้งบนผืนผ้าใบ มันเป็นแรงจูงใจถาวรของความรู้สึกและความรู้สึกลึก ๆ ซึ่งสะท้อนให้เห็นในความกลมกลืนของสี พวกเขาใช้สื่อต่างๆ ความสม่ำเสมอของสีนั้นมาจากความหลากหลายของเฉดสีโดยไม่ต้องเจือจางติดต่อกัน แต่ในส่วนผสมที่ผสมผสานกันอย่างกลมกลืน”

ในช่วงไม่กี่ปีที่ผ่านมา งานของเขาได้รับการกล่าวถึงทั้งในแคนาดาและต่างประเทศ ในปี 2560 เขาได้รับรางวัลเหรียญทองแดงสำหรับความคิดริเริ่ม เทคนิค และคุณค่าด้านสุนทรียศาสตร์ที่งาน International Gala of Visual Arts Son et Lumière การแข่งขันประจำปีที่จัดโดย Cercle des Artistes Peintres et Sculpteurs du Québec (CAPSQ) ซึ่งเขาเป็นสมาชิก .

ในฤดูใบไม้ผลิของปีนี้ Rodica Vinca ได้รับรางวัลเหรียญทองแดงอีกเหรียญ "La Victoire de Samothrace" สำหรับความสร้างสรรค์ สุนทรียภาพ และคุณค่าทางเทคนิค และสำหรับการสนับสนุนของเธอในการส่งเสริมศิลปะของประเทศที่รับเลี้ยงบุตรบุญธรรม แคนาดา เหรียญดังกล่าวได้รับรางวัลจากนิทรรศการระดับนานาชาติของ CAPSQ ครั้งที่ 48 ในเมืองชารองต์-มารีตีม ประเทศฝรั่งเศส ซึ่งจัดขึ้นที่ Abbaye de Fontdouce ซึ่งเป็นวัดเบเนดิกตินซึ่งก่อตั้งขึ้นในปี 1111 และอนุสรณ์สถานทางประวัติศาสตร์ที่ได้รับการคุ้มครองโดยยูเนสโก


วีดีโอ: ซดดดด อาาาา เหมอนคนทำ..นเสยงอะไร (มกราคม 2022).